И четверт — изо


I ЧЕТВЕРТЬ
ПЛАНИРОВАНИЕ УРОКОВ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА
Уроки 1—8
      № урока      Тип урока Темы беседы итворческой работыУчебно-методический комплект Раздел программыВиды изобразительной деятельности: материалы
  Осенний вернисажМир красотыЖивопись, графика, народное и декоративно-прикладное искусство
«И колос ржи, и дуб
могучий <…>
Растут из матери-земли».
(К. Бальмонт)
У., с. 5—9 Любование произведениями изобразительного, народного и декоративно-прикладного искусстваИспользование данных произведений на уроках в течение четверти
1. Урок-образ Земля одна, а цветы на ней разные
У., с. 10—13
Цвет, нюанс и контрастСоздай композицию «Чужие цветы краснее, а свои милее»
Т., с. 4—5 Основы художественного изображенияРисование с натуры или по памяти: акварель, гуашь, кисти
2. Урок-повтор В жостовском подносе все цветы России
У., с. 14—17
Русские лакиЭкспериментируй. Нарисуй веточку с листьями и цветок лилии, как показал мастер
Т., с. 6—7 Народный орнамент РоссииПовтор по мотивам цветочной росписи Жостова:акварель, гуашь, кисти
3. Урок-вариация О чем может рассказать русский расписной поднос
У., с. 18—19
Укрась цветочным узором поднос
Т., с. 8—9 Народный орнамент РоссииВариации по мотивам цветочной росписи Жостова:гуашь, белила, кистьПодготовка к урокам художественного труда
4. Урок-образ Каждый художник урожай своей земли хвалит
У., с. 20—23
Натюрморт. Свет и формаЭкспериментируй с цветом.Прочти композиционные схемы. Нарисуй с натуры натюрморт «Славный урожай»
Т., с. 10—11 Основы художественного изображенияРисование с натуры: акварель, гуашь, кисти, цветные карандаши (по выбору)
5. Урок-повтор и импровизация Лети, лети, бумажный змей
У., с. 24—25
Орнамент и формаЗаверши композиционную схему зеркально-симметричного орнамента бумажного змея. Придумай форму и яркое украшение для своего воздушного змея. Выполни эскиз
Т., с. 12—13 Орнамент в искусстве народов мираДекоративная композиция по мотивам народной орнаментики: акварель, гуашь, кисти, фломастеры или цветные карандаши (по выбору)Подготовка к урокам художественного труда
6. Урок-вариация и импровизация Чуден свет — мудры люди, дивны дела их
У., с. 26—27
Лоскутная мозаикаПрочти композиционные схемы орнаментов лоскутных ковриков, поясни название композиций. Cоздай эскиз орнамента для своего лоскутного коврика
Т., с. 14—18 Народный орнамент РоссииДекоративная композиция по мотивам народного орнамента: акварель, гуашь, кисти, фломастерыПодготовка к урокам художественного труда
7. Урок-образ Живописные просторы Родины. Пейзаж. Пространство и цвет
У., с. 28—30
Экспериментируй с красками и цветными карандашами. Прочти композиционные схемы пейзажей. Нарисуй картину «Родные просторы»
Т., с. 16—17 Основы художественного изображенияРисование по памяти, по представлению: акварель, гуашь, кисти
8. Урок-повтор Родные края в росписи гжельской майолики
У., с. 31—33
Русская керамикаЭкспериментируй. Получи растяжение цвета, как на майолике Гжели. Нарисуй деревья, как гжельские мастера. Укрась тарелочку
Т., с. 18—21 Народный орнамент РоссииДекоративная композиция по мотивам росписи гжельской майолики: акварель, кисти
     Осенний вернисаж. Беседа: Мир красоты.
Основные цели и задачи работыс изобразительным материалом вернисажа:

      1. Помогать учащимся раскрывать эстетическую ценность природы.      2. Создавать условия для эмоционально-ценностного восприятия детьми осенней природы, отраженной в произведениях народных мастеров и художников.      3. Развивать поэтическое видение природных явлений в реальной жизни, в произведениях живописи, графики, декоративно-прикладного искусства.
Примерный ход беседы:
      1. Выявление особых признаков осени как времени года, отраженных в произведениях искусства.      2. Сопоставление наблюдаемых учащимися природных явлений с художественным образом русской осени в произведениях поэзии, музыки, народном и профессиональном искусстве.      3. Итоги: в ходе беседы учащиеся делают вывод о богатстве и многообразии осенней природы, о ее бесконечной красоте и о безграничных возможностях передачи этой красоты в произведениях художественного творчества.
      Представленный зрительный ряд из произведений различных жанров изобразительного искусства предваряют строки стихотворения К. Бальмонта «Славянское древо». Поэтично и емко автор выразил в них широту и всеохватность красоты природы, всего того, что рождает матушка-земля. Эти строки поэта помогут учащимся расширить представления о земных красотах. В своих рассказах о собственных наблюдениях природы они поделятся яркими впечатлениями об осенней поре и о том, что вызывало у них наибольшее наслаждение.
      Обратившись к произведениям, представленным на вернисаже, учащиеся смогут найти на них аналоги своим наблюдениям и попытаться самостоятельно рассказать о том, что в осенней природе взволновало каждого из авторов этих работ.
      В беседе внимание учеников следует акцентировать и на таком аспекте: красота каждого уголка земли привлекательна по-своему, и не случайно художники, живущие в разных краях, находят свои особые средства для ее выражения: одни пишут живописные пейзажи на холсте, другие создают миниатюрные картины на лаковой поверхности шкатулки, третьи вплетают красоту золотой осени в образ бытовой вещи. Попытайтесь построить работу так, чтобы ученики определили технику исполнения художественных произведений, представленных на вернисаже, и высказали впечатления о них, а также вспомнили подобные работы, которые они рассматривали во 2 классе.
      Обобщая рассказы детей, можно отметить, что действительно художники и народные мастера запечатлели красоту самых разных регионов: Центра России (М. Нестеров. «Осенний пейзаж»; И. Страхов. Коробочка «Осень»; В. Овчаров. «Осенний пейзаж»); Севера России (А. Бородин. «Пейзаж с грибами»); Юга России (Н. Присекин. «Прохладно»; А. Курнаков. «Дорога на Знаменку»); Сибири (Г. Бочаров. «Тайга») и т. д.      Желательно в этот ряд включить произведения местных художников, подчеркнув своеобразие родной природы, художественные особенности творчества земляков. Главный вывод беседы должны сделать учащиеся: Земля, на которой все мы живем, — одна, но красота ее разнообразна, и поэтому художники, графики, народные мастера и писатели не перестают удивляться и воспевать ее неповторимость.
      Следует помнить о том, что работа с произведениями вернисажа должна быть включена в содержание уроков, всего осеннего цикла, предполагая неоднократное возвращение к этим работам с целью рассматривания их с новой точки зрения (например, уроки 1, 4, 7, 8).
      
Урок 1. Беседа: Земля одна, а цветы на ней разные. Цвет, нюанс и контраст. Творческая работа: Рисование с натуры или по памяти композиции «Чужие цветы краснее, а свои милее».
Основные цели и задачи урока-образа:

      1. Создавать условия для эмоционального восприятия учащимися красивых осенних цветов.      2. Углублять представления детей о контрасте цвета, о фактуре в композициях натюрмортов из цветов.      3. Формировать у третьеклассников различные приемы работы кистью: в передаче образа осенних цветов.
Примерный ход урока:
      1. Беседа «Земля одна, а цветы на ней разные» (У., с. 10—13).       2. Показ учителем на доске различных приемов работы кистью при изображении осенних цветов.      3. Выполнение третьеклассниками упражнения в творческой тетради (с. 4).      4. Обсуждение с учащимися того, как они будут рисовать кистью композицию на тему «Чужие цветы краснее, а свои милее». Рисование осенних цветов в тетради (с. 5).      5. Итоги: в беседе с детьми выясняем, какие букеты особенно выразительны и почему; в каких изображениях особенно чувствуется, как авторы любуются красотой цветов родной земли.
      Беседу можно начать с вопроса о том, какие цветы известны третьеклассникам. Конечно, многие ребята захотят назвать свои любимые цветы, тем более что в их памяти еще живы впечатления от букетов, принесенных к началу учебного года в свой класс. После того как дети проявили активный интерес к живым цветам, переходим к рассматриванию репродукций в учебнике. Просим найти на них те цветы, которые дети называли.
      Следующий этап эстетического восприятия связан с ответами учащихся на вопросы в учебнике (с. 13).
      В разных регионах нашей Родины можно увидеть осенние цветы от скромных по колориту и форме до ярких и причудливых.
      Чтобы углубить эмоционально-ценностное восприятие букетов, изображенных художниками, желательно обратить внимание на контраст цвета и фактуры. Например, в натюрморте А. Герасимова ощутить красоту легкого и нарядного букета пионов нам помогает контраст нежных оттенков бело-розовых цветов с холодным блеском твердого металла подноса и стекла вазы. Нарядность и воздушность букета усиливается и контрастом света и тени, чередованием освещенных и попавших в тень цветов. Солнечный свет пронизывает всю картину, создавая радостное настроение.
      Натюрморт В. Юкина «Рябина» решен в сближенной цветовой гамме багряных оттенков золотой осени: здесь контраст — в противопоставлении силуэта тяжелых монолитных гроздей хрупким кружевным листьям рябины.
      Этап урока, связанный с показом на доске приемов изображения цветов кистью, опытные учителя выделяют как дающий возможность для проявления творчества учителя. Приведем пример из практики.
      Учитель показывает, как кистью нарисовать пятно, приговаривая: «Мы хотим нарисовать астрочку. Проведем разные, темные и светлые, полосочки — это лепестки. Обращаем внимание на то, как держать кисть. Рисуем середину цветка. Вновь обращаем внимание на то, как держать кисть, чтобы получить точечки-тычинки».
      Дети наглядно видят, как простые приемы рисования кистью превращаются в художественное изображение. Они быстро и уверенно выполняют упражнение в тетради.
      Перед началом творческой работы учитель выслушивает суждения учащихся о том, какие букеты они будут рисовать и какие приемы при этом использовать. Опыт подтверждает, что проговаривание детьми этапов и приемов выполнения творческой работы довольно эффективно: третьеклассники начинают верить в хороший результат, в то, что создадут свое изображение натюрморта.
      Урок 2. Беседа: В жостовском подносе все цветы России. Русские лаки. Творческая работа: Экспериментируй. Нарисуй веточку с листьями и цветок лилии, как показал мастер.
Основные цели и задачи урока-повтора:
      1. Содействовать эмоционально-ценностному восприятию учащимися росписи жостовских подносов.      2. Раскрыть детям секрет послойного жостовского письма.      3. Развивать у учеников навыки кистевого письма: в выполнении ими художественно-творческой задачи на повтор.
Примерный ход урока:
      1. Беседа «В жостовском подносе все цветы России». Знакомство с росписью подносов, представленных в учебнике, и выслушивание ответов учащихся на вопросы (с. 14—16).      2. Сообщение учителя о рождении цветка розы в жостовском букете: в гостях у мастеров Т. Шолоховой и М. Лебедева.      3. Эксперимент: рисование кистью веточки и цветка лилии при соблюдении последовательности жостовского письма (так, как показал мастер).      4. Итоги: выставка рисунков, ученики-«искусствоведы» дают оценку выполненным работам, делая акценты на том, насколько убедительно в кистевой росписи отражены особенности послойного жостовского письма.
      Эпиграфом, своеобразным зачином ко всей работе учителя по ознакомлению младших школьников с искусством создания жостовского подноса, может служить точка зрения ведущего искусствоведа в области изучения народного искусства М. А. Некрасовой. О своеобразии народного восприятия мира мастерами Жостова она пишет: «Их роспись покоряет широким разливом цвета, ассоциативностью образов, проникнутых лирико-эпическим началом. Мотив цветов приобретает выражение народного образа цветущего сада. Полыхание цветов из черной глубины, угасающее к краям и накаленное, насыщенное к центру, переносит в мир чудесного, в мир народных поэтических представлений, слитых с ощущением реальной земной плоти мира. Любовь к цвету, отличающая русскую традицию, здесь соединилась с конкретным мотивом цветка, что имеет свои глубокие корни в крестьянском искусстве»1.
      После того как учащиеся рассмотрели цветы на подносах и ответили на вопросы в учебнике (с. 14—16), они знакомятся с особенностями послойного жостовского письма.
      Один из вариантов рассказа учителя о рождении розы в жостовском букете может быть таким. Попробуйте погрузить учащихся в созерцание красоты жостовских букетов и поразить их тем, как много в них роз! Роза — королева цветов. И в букетах жостовских мастеров она всегда в центре. Цветок розы самый большой и пышный. Его лепестки переливаются множеством нежных оттенков розового, белого, кремового, алого. Но не сразу на подносе появляется такой царственно прекрасный цветок розы во всем своем великолепии неувядающей свежести, чтобы притягивать взор зрителя и манить к себе, в глубину черного бархатного фона металлического подноса. О том, какой интересный и длительный путь совершает изображение розы, прежде чем предстать в жостовском букете, ребятам помогут понять росписи Татьяны Шолоховой, художницы Жостовской фабрики (У., с. 16—17). Во время объяснения третьеклассники рассматривают этапы росписи подноса в учебнике (с. 16—17). Эти работы Т. Шолохова выполнила на настоящих подносах для показа школьникам. Основная мысль рассказа сводится к следующему описанию:
             От первого прикосновения кисти, насыщенной смесью оранжевого с белилами, на гладкой, безукоризненно отшлифованной металлической поверхности подноса возникает бледный силуэт крупного цветка. В нем нет еще множества лепестков, яркости цвета. Мастер просто обозначил место, где будет расцветать роза. Эти первые мазки в жостовской росписи называются замалевок. Но, оказывается, таким силуэтом цветок останется на стадии замалевка ненадолго. Мастер готовит иссиня-зеленую смесь и лепит кистью форму лепестков. Затем пишет листья и стебель.
      Тенежка (созвучно слову «тень») — следующий слой в жостовской росписи. На этапе тенежки мастер прозрачным слоем краски накладывает тени. Но тени эти не простые, а цветные: для розы — густо-красный цвет, для листьев — темно-синий. Красные, синие и зеленые тона почти полностью закрыли белесый подмалевок. Роспись приобрела жгуче-яркое звучание. Цветок и листья погрузились в глубину фона.
      Прокладка — самый ответственный этап жостовского письма. Мастер проявляет, уточняет, высветляет форму цветка, листьев. Лепестки розы набирают силу, становятся тонкими, изящными. Кисточку насыщают яркими красками, смешанными с белилами.
      Теперь, когда роза почти ожила, остается выявить всю силу света, вплавить блик в цвет лепестка. Розовой краской с обильной примесью белил мастер завершает лепку формы. Эта стадия письма — бликовка. Мастер пишет азартно, вдохновенно. Ритм и характер мазка меняются: на листья светлые блики наносятся в форме своеобразных долек; на розе блик то одним мазком высветляет край хрупкого лепестка, то несколькими ударами освещает почти всю его поверхность.
      Для завершения рисунка розы с листьями осталось совсем немного. Мастер берет тонкую и длинную специальную кисть, обильно насыщает ее светлой краской. Тонкая кисточка словно порхает над подносом. Вот она коснулась листьев, и появился живой трепет прожилок, обозначился кружевной край листочка из глубины затемненного пространства. В центре чашечки цветка розы очертились семенца. Этот прием стремительного музыкального ритма росписи называется чертежкой. Окончательно связать букет в одно целое, соединить его с фоном, придать росписи особую легкость и изящество помогает привязка — рисование тонких травинок, усиков. Они заполняют оставшиеся промежутки между цветами и листьями.
      Этот рассказ учитель может варьировать, импровизировать, взяв (как и авторы) за основу описание работы потомственного жостовского мастера В. Д. Кледова, записанное исследователем искусства Жостова Б. И. Коромысловым (см. список рекомендуемой литературы). С каждым новым возвращением к описанию системы послойного жостовского письма в каждом последующем классе будут возникать все новые и новые варианты беседы.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛОсобенности жостовского письмав создании народного образа цветущего сада
      Одна из особенностей жостовского письма — мера реального и условного в цветочной композиции. Этот выразительный прием — сочетание реального и условного — присущ и другим творениям народного искусства, например сказкам, былинам. Как же проявляется этот прием в росписи? Художник в изображении реального цветка усиливает орнаментальный, декоративный характер образа. Для тех же цветов, которым нет прямой аналогии в природе, художник находит убедительное правдоподобие. В изображении крупных цветов розы и георгина, которые легко узнаются, мастер подчеркивает декоративную звучность цвета, ритмическое расположение лепестков. Одновременно в композицию могут быть включены и цветы, которые хотя и созданы фантазией художника, но переданы правдоподобно. Мера реального и условного, подлинного и вымышленного проявляется и в том, как мастер освещает цветы в декоративном букете. Он не следует реальному направлению света от одного источника. Свет освещает букет с разных сторон так, чтобы выявить главное, создать настроение и колорит, связать изображение с фоном, поверхностью подноса. Сопоставьте реальное и условное освещение букетов на подносах мастеров Н. Мажаева и М. Митрофановой.
      Особенности жостовского письма заключаются и в точно найденных соотношениях крупных и мелких цветов, в ритме цветовых пятен и основных линий. Эти важные качества композиции проявляются в росписи на первом этапе — замалевке. Во время работы мастер постоянно вращает поднос на колене. Это позволяет сделать выразительный мазок, подчинить его общему ритмическому строю росписи. Одновременно глаз художника корректирует с многих точек зрения соотношения цветочных силуэтов между собой и свободным фоном. И наконец, вся система жостовского письма служит для связки декоративной росписи с сущностью вещи, ее поверхностью, с подносом, оформленным орнаментальным бортиком. Не нарушая плоскостности изображения, художники Жостова создают впечатление условной глубины и объемности, умеют заставить фон подноса быть не просто глухим задником, а как бы окутывать и поглощать изображение. (По материалам кн.: Богуславская И. Я., Графов Б. В. Искусство Жостова. — Л., 1979.)      Литература: Богуславская И. Я., Графов Б. В. Искусство Жостова. — Л., 1979; Барадулин В. Уральский расписной металл // Наше наследие. — 1991. — № V (23). — С. 155—159; Дьяков Л. А. Связь поколений в творчестве жостовского мастера Л. И. Гогина // Народные мастера: Традиции, школы. Вып. 1 / Под ред. М. А. Некрасовой. — М., 1985. — С. 40—49; Коромыслов Б. И. Жостовская роспись. — М., 1977; Основы народного и декоративно-прикладного искусства: Учебно-методический комплекс средств обучения. Вып. 3. Жостовские подносы. Слайд-фильм, сопроводительный текст, методические рекомендации / Сост. Т. Я. Шпикалова. — М., 1992.
      Урок 3. Беседа: О чем может рассказать русский расписной поднос. Творческая работа: Укрась цветочным узором поднос.
Основные цели и задачи урока-вариации:
      • созвучны предыдущему уроку. Уточняются и углубляются знания о последовательности выполнения художественно-творческой задачи: формировать представление об общности художественных приемов цветочной росписи в разных центрах народного творчества.
Примерный ход урока:
      1. Путешествие в прошлое. «Жостовский поднос и его хозяин».      2. Беседа о сходстве и различии в приемах кистевой росписи мастеров Жостова и Городца.      3. Проговаривание учащимися состава своей композиции цветочной росписи на подносе и приемов ее выполнения. Самостоятельная работа в творческой тетради (с. 9).      4. Итоги: обсуждение художественных удач школьников при анализе их эскизов росписи подносов; выводы учителя о том, что следует учесть во время работы над подносами на уроках художественного труда.
      Урок начинается с увлекательного путешествия. Перед третьеклассниками предстают картины жизни и быта, связанные с добрым и красивым обычаем на Руси — чаепитием (см. иллюстрации в учебнике (с. 18—19) и справочный материал к уроку).
      Для активизации детского творчества и решения третьеклассниками художественной задачи на вариации мотивов жостовского букета желательно обратить внимание на сходство и различие в приемах кистевого письма мастеров из разных центров народных художественных промыслов. Приведем один из примеров сопоставления приемов жостовского письма с приемами росписи Городца.
      Так, уже начало росписи цветка розы с замалевка намного расширяет представление младших школьников о роли пятна как выразительного средства. Ранее они знакомились с этим изобразительным приемом в росписи городецких изделий. Городецкие мастера с первого мазка стремятся получить почти окончательный декоративный эффект. Пятно цветка купавки, или розана, дорабатывается лишь приемом темной и светлой оживки. Совсем другие возможности мазка в жостовской росписи. В свободном мазке кистевой росписи жостовский мастер как бы чего-то не договаривает, оставляет за собой право произвести доработку цветка. И учащиеся пробуют так же начать свой неторопливый рассказ кистью о красоте декоративного цветка, но так, чтобы было что досказать о нем кистью и на следующих этапах работы.
      Значительно расширяются представления учащихся о значении цветной линии в усилении выразительности образа. Вновь стоит обратиться к сопоставлению белой линии в городецкой росписи и в жостовской живописи. Четкий ритм белых бусинок-точек, штрихов и дужек на городецких цветах завораживает, вносит свет и усиливает мажорность цветочной росписи. В жостовских букетах есть множество цветных линий самого разного оттенка (розовые, голубые, бледно-желтые, светло-зеленые — всех оттенков не перечислить). И эти легкие линии-чертежки придают особую воздушность и трепетность растениям в букете.
      В творческой игре элементы послойного жостовского письма могут натолкнуть ребят на эксперимент с художественными материалами и поиск выразительных средств для воссоздания образа цветка.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛРусская старина в произведениях искусства(Жостовский поднос и его хозяин:«Чаепитие дома», «Чаепитие в трактире»)
      Слова «поднос», «самовар», «чаепитие» невольно вызывают в нашей памяти сцены размеренного уклада жизни россиян прошедших столетий. Чай на Руси умели и любили пить. В книге Василия Белова «Лад» читаем: «В хоромах купцов Строгановых почетного гостя поили заваренной «травкой»... которая по свидетельству историков даже на столе царя Алексея Михайловича бывала не каждый день. От Соли Вычегодской начал свое торжествующее хождение по Руси этот дивный восточный напиток. Чай, по-видимому, сильно потеснил в русском быту сбитень, а также плодовые и ягодные напитки, хотя с квасом ему трудно было тягаться. За короткий исторический срок чаепитие на Севере Руси настолько внедрилось, что самовар стал признаком домашнего благополучия и выражением бытовой народной эстетики. Он как бы дополнял в доме два важнейших средоточия: очаг и передний угол, огонь хозяйственный и тепло духовное, внутреннее. Без самовара, как без хлеба, изба выглядела неполноценной, такое же ощущение было от пустого переднего угла либо от остывающей печи». (Белов В. И. Лад: Очерки народной эстетики. — М., 1982. — С. 166.)      Не удивительно, что «расписные и нарядные подносы, производимые сначала в Нижнем Тагиле, а затем и в Жостово, быстро стали необходимой принадлежностью при чаепитии. Каких только форм не имели подносы: гитарные, крылатые, восьмиугольные, овальные, прямоугольные, круглые... Тогда же возникла и определенная иерархия форм и размеров подносов: „скатертные“ в размер стола, круглые и овальные поменьше, квадратные чайные, маленькие закусочные, треугольные для угловых столиков и, наконец, детские». (БарадулинВ. Уральский расписной металл // Наше наследие. — 1991. — № V (23). — С. 155—159.)      Потчевать чаем гостеприимно, радушно было принято не только в домах, но и в трактирах. Живо представить себе интерьер одного из извозчичьих трактиров и то, как чаевничали в то время, помогает произведение Б. М. Кустодиева «В трактире» (с. 18). В дополнение приведем данную В. А. Гиляровским интересную бытовую зарисовку трактира:
      «Он заменял и биржу для коммерсантов, делавших за чашкой тысячные сделки, и столовую для одиноких, и часы отдыха в дружеской беседе для всякого люда, и место деловых свиданий...
      Тогда в центре города был только один „ресторан“ — „Славянский базар“, а остальные назывались „трактиры“, потому что главным посетителем был старый русский купец. И каждый из городских трактиров в районе Ильинки и Никольской отличался своими обычаями, своим каким-нибудь особым блюдом и имел своих постоянных посетителей. И во всех этих трактирах прислуживали половые — ярославцы, в белых рубахах из дорогого голландского полотна, выстиранного до блеска». (Гиляровский В. А. Сочинения. В 4 т. — М., 1967. — Т. 4. — С. 330, 335.)      О постоянных посетителях одного из московских трактиров и рассказывает картина Б. М. Кустодиева. Извозчики неторопливо и с достоинством пьют чай. Половые сбились с ног, поднося все новые чайники с кипятком. Один из них несет чайники на подносе по всем правилам: он держит его на пяти пальцах вытянутой левой руки, голова откинута чуть назад, грудь выставлена. На стойке буфета не случайно видны среди снеди свинина и жирная колбаса: извозчики с холоду любили то, что пожирнее. В бытовую картину как составная часть включен великолепный натюрморт из нескольких рядов фарфоровых расписных чайников, больших и маленьких; рядом, на стене, — расписные гитаровидные подносы.
      От всего увиденного на картине веет уютом и радушием. Это и тепло духовное, отраженное в свете лампады перед иконой, озаряющем строгие черты лиц извозчиков. Это и тепло большого застолья, во время которого размеренно чаевничают гости московского трактира.
      Урок 4. Беседа: Каждый художник урожай своей земли хвалит. Натюрморт. Свет и форма. Творческая работа: Экспериментируй с цветом. Прочти композиционные схемы. Нарисуй с натуры натюрморт «Славный урожай».
Основные цели и задачи урока-образа:
      1. Создавать условия для восприятия учащимися эстетического и нравственного смысла художественного воплощения идеи плодородия Земли.      2. Развивать у детей способность эмоционально-ценностного восприятия и оценки натюрморта как одного из жанров изобразительного искусства.      3. Развивать у учащихся наблюдательность, умение видеть богатство и разнообразие даров природы, желание и способность передать их красоту в рисунке.      4. Совершенствовать работу с учащимися по овладению графическими, живописными и композиционными навыками. Углублять представление третьеклассников о форме, объеме предметов, способах колористического решения натюрморта, светотеневой проработки.
Примерный ход урока:

      1. Рассматривание детьми многообразия осенних плодов в природе и в произведениях художников. Восхищение богатством урожая.      2. Углубление представлений учащихся о жанре натюрморта.      3. Выявление третьеклассниками приемов и способов передачи иллюзии объемности на плоской поверхности листа.      4. Выполнение учащимися рисунка натюрморта из овощей и фруктов с использованием одной из предложенных композиционных схем.      5. Итоги: коллективное обсуждение и любование творческими работами. Прослушивание суждений авторов творческих композиций об избранных ими способах воплощения замысла.
      Этот урок должен способствовать открытию учащимися нового в уже давно знакомом и привычном.
      Действительно, каждому известен вкус многих овощей, фруктов. Кто-то знаком с тем, как ухаживать за овощными грядками. А на этом уроке перед третьеклассниками дары природы предстанут в качестве героев художественных произведений.
      В учебнике (с. 20—23) и творческой тетради (с. 10—11) учащиеся рассматривают натюрморты И. Машкова, 3. Серебряковой, П. Кузнецова, В. Серова, В. Стожарова, В. Рохлина. Это очень разные произведения, но объединяет их то, что в каждом из них изображены плоды земли-матушки.
      Любуясь овощами и фруктами на выставке, предварительно устроенной в классе, дети отметят достоинства, за которые художники запечатлели плоды на своих натюрмортах. Третьеклассники выскажут собственные чувства в отношении созданных художественных образов.
      Параллельная работа по наблюдению натуральных объектов в природе и знакомство с их изображением в художественных произведениях раскроют детям смысл пословиц «Каждый плод свою землю знает» и «Всяк молодец на свой образец». Здесь важно обратить внимание ребят на то, что на нашей земле удивительно разнообразные климатические условия. В каждом ее уголке — своя, особенная природа, потому и урожай в каждой отдельной местности часто сильно отличается от урожая в другой. Не случайно и натюрморты художников, живущих в разных регионах, не похожи один на другой. Желательно, чтобы учащиеся привели примеры своеобразия плодов своего края на материале творчества местных художников.
      Продолжая знакомиться с композициями, учащиеся углубляют свои представления о натюрморте. Поиск ответов на вопросы в учебнике (с.20—23) побуждает детей к целенаправленному наблюдению, сравниванию объектов в природе и их изображений с натуры на картинах. Учитель побуждает учащихся заметить, как цвет предмета зависит от освещенности, как солнечный свет влияет на цвет теневой поверхности, и предлагает подумать, какие краски следует смешивать, чтобы создать иллюзию реального изображения.
      В учебнике (с. 23) учащиеся рассматривают приемы выявления освещенности, объема, округлости с помощью акварели и гуаши. Внимание детей акцентируется на том, что рисунок (контур) предмета не закрашиваетсяодной-двумя красками, а изображение «лепится» множеством цветных пятен, каждый раз вновь найденным на палитре цветом. Для освещенной поверхности предмета следует подбирать более светлые и холодные оттенки. Важно знать, что цвет в тени — это не просто та же краска, что и на свету, но более густая. Для передачи теневой поверхности предмета, нахождения ее нужных оттенков в основной цвет следует добавить краски более темные (только не черные) и теплые.
      Выразительность рисунка часто зависит от способа наложения цветовых пятен. В одних случаях (в акварели) при письме цветные мазки располагаются так близко, что происходит их слияние (прием «вливания цвета в цвет»): между мазками нет резких границ, а смешение соседних мазков расширяет цветовую палитру рисунка. В других случаях мазки накладываются отдельно друг от друга (прием «раздельный мазок»). Мазки могут быть точечными (от легкого прикосновения к бумаге кончика кисти), удлиненными, дугообразными, расположенными по форме предмета или в одном направлении.
      В творческой тетради учащиеся выполняют упражнения на светотеневое решение фруктов разными способами — акварелью или гуашью. Эти упражнения подготавливают ребят к творческой работе над композицией натюрморта «Славный урожай». Натурная постановка необычна. Это предметы с выставки овощей и фруктов, организованной в классе. Их множество, они красиво расположены на подносах, в корзинках, часть из них лежит на столе россыпью. Среди плодов желательно расположить букеты осенних цветов в вазах.
      Творческие задачи выполнения натюрморта:
      • отобрать 3—5 предметов (на свое усмотрение) из всего множества представленных на выставке и создать натюрморт, используя предложенные композиционные схемы в тетради;
      • передать многоцветность, объемность, освещенность плодов родной земли.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛ
      Кузнецов Павел Варфоломеевич (1878—1968) — живописец, заслуженный деятель искусств РСФСР (1928). Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества — МУЖВЗ (1897—1903) у К. А. Коровина и В. А. Серова. Преподавал (1917—1937, 1945—1948) в ГСХМ — Вхутемасе — Вхутеине и др. институтах Москвы. Один из организаторов выставки «Голубая роза». Член объединений «Мир искусства», «Четыре искусства». Испытывая с начала 1900-х гг. сильное влияние В. Э. Борисова-Мусатова, обращаясь к мотивам сна, видения, Кузнецов стремился найти в смешении реальности и мечты, в плоскостно-линейных ритмах, мерцающем колорите образную аналогию литературному и музыкальному символизму («Голубой фонтан», 1905, ГТГ). В яснопросветленных, проникнутых созерцательным покоем картинах «степной» (или «киргизской») серии декоративная обобщенность сочетается с тонкой градацией цветовых оттенков («Мираж в степи», 1912, ГТГ). В 20—30-х гг., продолжая поиски декоративно-монументальных форм, Кузнецов использовал в станковых произведениях технику настенных росписей («Отдых пастухов», 1927, ГРМ); сохраняя поэтический строй образов, он придает композициям большую динамику и пространственно-временную конкретность, а человеческим фигурам — большую жизненную непосредственность. Художник выполнил многочисленные пейзажи, натюрморты и портреты, работал в области монументальной и театрально-декорационной живописи, а также графики.
      Литература: Алпатов М. В. П. В. Кузнецов: Альбом. — М., 1969; Будкова Л. А., Сарабьянов Д. В. П. Кузнецов. — М., 1975; Русакова А. П. Кузнецов. — Л., 1977.
      Машков Илья Иванович (1881—1944) — живописец, заслуженный деятель искусств РСФСР (1928). Один из основателей «Бубнового валета», автор экспрессивных красочных пейзажей, натюрмортов, портретов, педагог. Обратившись к культуре городского изобразительного фольклора — вывескам, лубкам, задникам фотографических ателье, — Машков открыл для себя новый многообещающий мир форм; в своих натюрмортах художник воссоздавал не только полновесность формы и яркость цвета предмета, но и вещную выразительность хорошо организованной постановки. Его образы вещей покоряют своей чувственной красотой, необычной телесностью, экспрессивной радостью жизни. Неистовый живописный темперамент московского художника находил себе выражение в красочной гиперболичности образов, их монументальности, величавом декоративном ритме. Его влекло многоцветие, праздничность мира в самых звонких, радостных его проявлениях: радующей глаз снеди,роскошно-зрелых фруктах, облике здоровых, полнокровных, жизнерадостных людей.
      Литература: Арбузов Г. С., Пушкарев В. А. И. Машков. — Л., 1973; Болотина И. С. И. И. Машков: Альбом. — М., 1977.
      Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884—1967) — русский живописец, дочь Е. А. Лансере. Училась в Санкт-Петербурге в школе-мастерскойТ. К. Тенишевой (с 1901) и в студии О. Э. Браза (1903—1905). Член объединения «Мир искусства». С 1924 г. жила в Париже. Характерная для Серебряковой тяга к созданию живых жанровых сцен и натюрмортов, прекрасных женских образов, к уровновешенности композиции и осязаемо-чуткой лепке объемов, точности и лаконичности рисунка формировалась под воздействием искусства итальянских мастеровXVI—XVII вв. и традиций творчества А. Г. Веницианова. Натюрморты Серебряковой хорошо воспринимаются зрителем. Художник тонко чувствует форму и любуется ею, что наполняет ее работы изяществом, светом, добротой.
      Литература: Савинов А. Н. З. Е. Серебрякова. — Л., 1973; Князева В. П. З. Е. Серебрякова. — М., 1979.
      Урок 5. Беседа: Лети, лети, бумажный змей. Орнамент и форма. Творческая работа: Заверши композиционную схему зеркально-симметричного орнамента бумажного змея. Придумай форму и яркое украшение для своего воздушного змея. Выполни эскиз.
Основные цели и задачи урока-повтора и импровизации:
      1. Создавать условия для эстетического восприятия учащимися старинного искусства конструирования и художественного оформления воздушных змеев.      2. Формировать у учащихся способность эмоционально-ценностного восприятия искусства других народов.      3. Развивать художественно-творческие способности учащихся: в восприятии, прочтении и сочинении орнаментальных композиций.
Примерный ход урока:
      1. Знакомство учащихся с одним из необычных видов старинного искусства — конструированием и художественным оформлением воздушных змеев. Путешествие в историю этого искусства — знакомство с творчеством японских и китайских мастеров (У., с. 24 —25).      2. Расширение у детей представлений о зеркально-симметричной основе многоярусного орнамента. Завершение композиционной схемы орнамента, украшающего форму воздушного змея (Т., с. 12).      3. Создание третьеклассниками эскиза воздушного змея и его украшения (Т., с. 13).      4. Итоги: учащиеся рассказывают о своих идеях художественного решения данной задачи. Напоминаем, что выполненные эскизы нужны будут на уроках художественного труда при конструировании игрушки.
      На этом уроке осуществляется заочное путешествие по тропинкам традиций разных народов — народов России, японцев, китайцев. Цель такого путешествия — расширение у детей представлений не только об уникальности искусства многих народов, живущих на Земле, но и о том, что общего и различного в творениях народов мира.
      Этот урок пришелся на время, когда по народному русскому календарю прошли или вот-вот наступят необычные дни: Артамонов день (25 сентября), когда Артамон последний раз в этом году змей на волю отпускает; Воздвижение (27 сентября) — змеиный день, когда все пресмыкающиеся, в том числе и змеи, «сдвигаются», т. е. сползают в одно место и прячутся под землю; Астафьевы ветры (3 октября) — это день, когда «ветряк дует всяк». (См. справочные сведения в методическом пособии по художественному труду — готовится к изданию).
      К этой осенней поре и готовят свои причудливые забавы мастера воздушных змеев. И хотя в разных краях и странах происходит это не в одно время, все же такая забава знакома и любима многими народами.
      Рассматривая варианты традиционных форм воздушных змеев (У., с. 24 —25, Т., с. 12), дети расширяют свои представления об игре-искусстве.
      Действительно, запуск змея — игра. Но в умелых руках безделушка, доведенная до совершенства, превращается в произведение искусства, имеющее довольно долгую историю. (См. справочные сведения в методическом пособии по художественному труду.)
      В ходе беседы внимание детей вновь обращается к изображениям воздушных змеев, к их необычной форме, орнаментальному украшению (У., с. 25). Их необычность — в сходстве с формой бабочки, птицы или вазона с цветами. Выбор конструкций для змеев, видимо, не случаен. Для обеспечения большей устойчивости в полете, большей уравновешенности змеев им придана симметричная форма. Узоры на змеях, как и у живых существ, также зеркально симметричны. Даже вазон с цветами имеет две совершенно одинаковые половинки. В творческой тетради (с. 12) дети рассматривают один из вариантов конструкции змея в виде птицы (ласточки) и графическую схему орнаментальной композиции. На схеме четко видны несколько узорных ярусов, форма которых повторяет форму крыльев, туловища, хвоста. Следует обратить внимание детей на то, что, несмотря на множество орнаментальных полос, композиция не распадается на отдельные части, она целостна. Этому способствует сходство орнаментальных мотивов, элементов в каждом из ярусов.
      В этой композиции присутствуют круглые элементы-завитки с усиками. Из них складываются цветочные узоры на крыльях, их ритмический повтор образует узоры на туловище (проводится сравнение с ярусными орнаментами на поверхности змея-«бабочки»). Первое практическое задание выполняется в творческой тетради на с. 12 — завершение композиционной схемы украшения змея-птицы. Важно, чтобы дети обнаружили главную особенность орнаментальных мотивов, образующих узор в разных ярусах. Это упражнение можно выполнять фломастерами.
      Рассматриваемое задание предваряет основную работу по самостоятельному проектированию эскиза воздушного змея (Т., с. 13). При изображении формы следует помнить о ее симметричности, а также о симметричности узоров на ее поверхности. Цветовое решение композиции можно выполнить в контрастной или сближенной гамме. Важно, чтобы и очертания элементов, и цветовые пятна не только повторялись в отдельных полосках, но и перекликались между ними.
      Следует поддерживать всякое проявление оригинальности в детском творчестве, помня о том, что и каждый мастер стремился создать образ змея, не похожий на все предыдущие.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛТермины и понятия
      Зеркальная симметрия. Одно зеркало демонстрирует нам симметрию отражаемого и отраженного. Предмет или фигура, которые можно разделить плоскостью таким образом, чтобы одна половина, отразившись в этой плоскости, как в зеркале, совпала с другой, имеет зеркальную симметрию. Симметрия эта, присущая телу человека и телам многих животных, широко применяется и в человеческой практике, определяя форму самых разных вещей — от ложки и вилки до прялки и стула, от настольной лампы до автомобиля и самолета. И это обстоятельство немаловажно для формирования орнаментов, организующих и украшающих поверхности таких предметов. <…>
      Зеркальная симметрия способствует впечатлению уравновешенности и покоя, так как она делает полярные направления (в обе стороны от плоскости симметрии) равноценными для нашего взгляда. <…> И в орнаменте применение зеркальной симметрии связано с тем же ощущением равновесия и покоя. (Юный художник. — 986. — № 3. — с. 84—85.)
Вымысел и реальностьв художественном произведении:о чем рассказали воздушные змеи
      Воздушные змеи появились очень давно — больше двух тысяч лет назад — в Китае. Им придавали форму дракона и раскрашивали яркими красками. Это неудивительно — ведь дракон в Китае считается священным животным.
      Воздушных змеев запускали во время праздников, торжественных церемоний; без них не обходилось ни одно веселье. Они пользовались большим почетом. Существовала даже наука о воздушных змеях. Находились смельчаки, которые пытались подняться в воздух на огромном воздушном змее. Но, увы, неудачно. Змеи совсем не поднимались.
      А вот для устрашения врагов во время сражения воздушных змеев научились использовать быстро. Делали огромного, страшного змея в виде дракона или какого-нибудь сказочного чудовища, во время боя запускали его над войском противника. Даже самые отчаянные храбрецы не выдерживали, когда вдруг перед ними появлялось эдакое страшилище.
      В 908 г. русский князь Олег осаждал город Константинополь. По его приказу было сделано много змеев в виде всадников и пеших воинов. Представьте себе ужас константинопольцев, когда они вдруг увидели, что на них прямо с неба опускается несметное русское воинство…
      Но змеев использовали не только для сражений. Когда они впервые появились в Европе, здешние ученые быстро нашли им применение. Например, один англичанин поднял при помощи змея на большую высоту термометр и обнаружил, что наверху воздух холоднее, чем внизу. Другой ученый, американец Франклин, поднял при помощи змея свои приборы почти до облаков и доказал, что молния — явление электрическое. А русскому ученому М. В. Ломоносову при помощи змея удалось даже «поймать молнию». Использовали змеев и для спасения терпящих кораблекрушение. Если большие волны мешали подплыть к тонущему судну, чтобы взять его на буксир, специальный канат доставляли на него с помощью змея.
      Первый фотографический снимок Земли с высоты птичьего полета тоже был сделан при помощи змея. Очень помог змей изобретателям радио — Попову и Маркони. Они прикрепляли к змеям антенны своих приемников и поднимали их на очень большую высоту. Таким образом удалось установить радиосвязь даже между Европой и Америкой. Наступило время, когда воздушные змеи стали одними из самых главных помощников человека.
      Но вот самую свою заветную мечту — подняться на змее в воздух — людям никак не удавалось осуществить до тех пор, пока в Германии не появился человек по имени Отто Лилиенталь. Вот ему-то и удалось построить такого змея, на котором в 1891 г. впервые человек поднялся в воздух. Змей Лилиенталя был уже мало похож на привычные нам воздушные змеи. Он напоминал самолет, а сам Лилиенталь называл его «планер». Прошло время, и другие люди усовершенствовали планер Лилиенталя, установили на нем мотор с пропеллером — так появился первый самолет.
      Существует несколько разновидностей змеев.
      Самая большая группа — это конструкции с неподвижными, жестко фиксированными крыльями. К ним относятся так называемая форма ласточки, а также изображения героев легенд и сказаний.
      Другая группа — змеи с подвижными крыльями, которые делают отдельно от каркаса и только перед запуском закрепляют на нем.
      Еще одна разновидность — плоские змеи, имеющие форму веера, корзины с цветами, иероглифов. К ним прикрепляется длинный хвост, необходимый для обеспечения равновесия летающих конструкций.
      Самая сложная форма — это большие объемные змеи. Наиболее характерны для этой группы многометровые драконы.
      Литература: Алешина И. Китайские воздушные змеи // Юный художник. — 1986. — № 3; Герчук Ю. Я. Что такое орнамент? — М., 1998;Шипилов А. Путешествие в Змееландию // Трамвай. — 1991. — № 8.
      Урок 6. Беседа: Чуден свет — мудры люди, дивны дела их. Лоскутная мозаика. Творческая работа: Прочти композиционные схемы орнамента лоскутных ковриков, поясни названия композиций. Создай эскиз орнамента для своего лоскутного коврика. Подготовка к уроку художественного труда.
Основные цели и задачи урока-вариации и импровизации:
      1. Создавать условия для эмоционального восприятия учащимися произведений народного искусства, выполненных из текстильных материалов, — самотканых половичков, лоскутных ковриков.      2. Побуждать учащихся к целенаправленному наблюдению, прочтению ритма, цветового строя, композиционных приемов в многообразных изделиях из текстиля.      3. Расширять представления детей в области цветоведения. Знакомить их с приемами ступенчатого растяжения цвета, нахождения контрастных и нюансных цветовых отношений на примерах тканых, ковровых, лоскутных изделий.      4. Развивать у учащихся композиционное мышление и воображение на основе творческих принципов народного искусства (вариация, импровизация).      5. Совершенствовать работу с учащимися по овладению декоративно-живописными навыками: в построении орнаментальных композиций.
Примерный ход урока:
      1. Знакомство третьеклассников с произведениями традиционного искусства из текстильных материалов (У., с. 26—27).      2. Чтение детьми цветовых и композиционных схем в решении ковровых тканых и лоскутных изделий (Т., с. 14—15).      3. Завершение учащимися изображения коврика в заданной цветовой гамме с использованием приема ступенчатого растяжения цвета от светлого к темному и от темного к светлому (Т., с. 14).      4. Создание третьеклассниками в творческой тетради эскиза лоскутного коврика на основе собственного варианта комбинаций цветных квадратов и треугольников (гамма контрастная).      5. Итоги: прослушивание пояснений авторов композиций к выполненным схемам и найденному цветовому решению эскиза, а также названию коврика. Обращение внимания детей на выразительность, декоративность в разработке эскизов.
      Название темы урока должно подвести детей к пониманию того, что, подобно разнообразию форм в огромном и беспредельном мире природы, нет предела и творениям рук человеческих. Самые обычные вещи, окружающие нас, созданы мудростью людей, пронизаны их любовью к красоте в природе и выражают их органическую связь с ней.
      И как бы фантастичны ни были выдумки человека, в каждой из них — его представление о мире, о жизни. Вот и на этом уроке дети узнают о красивых предметах народного искусства, в которых мудрость и выдумка мастериц лоскутной техники находятся в полном соответствии с их жизненными представлениями, с красотой родной природы, так необходимой человеку в повседневной жизни.
      Учащимся предлагается пояснить смысл пословиц (У., с. 26), рассмотреть произведения мастериц-рукодельниц,живущих в разных регионах (У., с. 26—27), ответить на вопросы (У., с. 27). В ходе этой работы следует обратить внимание детей на разнообразие изделий из текстиля, богатство композиционных цветовых решений и приемов реализации замысла. Действительно, среди приведенных в УМК изображений можно увидеть вещи, выполненные и в технике ручного ткачества, ковроплетения, и в технике шитья из цветных лоскутов. Композиция каждой из них красива по-своему: в одних орнамент складывается из ритмически повторяющихся полос, разных по ширине и цвету; в других орнамент образуется на основе повторов разнообразных фигур (ромбов, квадратов, треугольников).По-разному решается и цветовой строй каждой работы. Есть здесь тонкие сочетания оттенков одного цвета или разных цветов, но близких друг другу (голубой, синий, зеленый, лимонно-зеленый…). Часто цветовая палитра состоит из контрастных оттенков (голубой, красный, зеленый, оранжевый…).
      Среди множества рассматриваемых изделий нет одинаковых, но в каждом обязательно сохраняется что-то такое, что живет в искусстве мастеров конкретного региона долгие-долгие годы. Это традиция в выборе элементов для орнамента, это схожие композиционные схемы и конечно же излюбленная цветовая гамма и приемы ее создания.
      Первое задание на уроке — практическое — связано с искусством лоскутного шитья. Третьеклассники знакомятся с некоторыми из вариантов основы орнаментальных композиций лоскутных ковриков: «изба» или «колодец», «елочки», «мельница», «пила», «грядки». В тетради дети завершают изображение коврика с композиционной основой «колодец».
      Перед учащимися поставлена задача: каждый модуль-квадрат заполнить цветными полосками так, чтобы создавалось впечатление глубины или выпуклости. Для пояснения этого задания следует изучить дидактические таблицы с иллюстрацией приемов ступенчатого растяжения одного цвета за счет постепенного разбела (гуашевыми белилами) или разбавления краски водой, а также рассмотреть образцы ковровых изделий. Важно настроить ребят на то, чтобы цветовая гамма их орнамента напоминала цветовую палитру явлений природы: зеленый луг, морские просторы, небесную глубину, солнечный свет, вспаханную землю, цветущие поля и т. д.
      Второе задание — творческое — основывается на освоении композиционных схем другого порядка. Орнамент складывается из квадратов и треугольников. Дети читают композиционные схемы (Т., с. 15), поясняют, почему они так называются, создают собственный эскиз лоскутного коврика. Задача по цветовому решению усложняется. Предстоит подобрать для орнамента гамму из контрастных цветов. А это значит не просто раскрасить узор разными красками, а постараться достичь их гармонии. Следует детям напомнить о том, что такая гармония множества цветов может быть достигнута путем ритмического повтора элементов одного цвета. Рассмотреть это можно на примерах лоскутных ковриков, а также на дидактических таблицах, иллюстрирующих удачные сочетания двух, четырех и более контрастных цветов.
      Эту работу учащиеся выполняют акварелью или гуашью, хотя в целях ускорения творческого процесса целесообразнее использовать фломастеры.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛЦвет и ритм: радуга на полу
      Хорошая хозяйка никогда не выкинет старую, выношенную одежду, скатерть или занавеску. Эти вещи могут начать в доме новую жизнь. И для этого хозяйка разрежет тряпки на длинные ленточки, разберет их по цвету и смотает в большие клубки. А когда накопится много таких клубков — и ярких, и темных, и белых, однотонных и пестрых, — женщина садится за ткацкий стан, и вот уже лоскутки складываются в полосы, клетки — перед нами половик. Тканая дорожка тянется через всю горницу от входа к окну, рядом ложится еще одна, еще — и вот весь пол застелен ровными полосатыми половиками. С ними в доме становится теплее, уютнее. По нарядным половикам не пойдешь в грязных сапогах — жалко нарушать чистоту их красок. Поэтому все пришедшие в дом почтительно снимают обувь при входе — и в доме царит чистота.
      В некоторых местах половики делают не из тряпичных ленточек, а из толстых, пряденных из кудели ниток, скорее даже веревок — волокнистых, грубых, неровных. Их окрашивают в разные цвета и ткут клетчатые половики, где чередуются крупные красные, черные, желтые квадраты. Эти половики тоньше и легче, чем сотканные из полосок ткани. Их не раскатывают по всему полу. Хозяйка бросит такую, горящую яркими красками, дорожку от порога к красному углу, и кажется, что она притягивает к себе солнечные лучи. От небольшого куска ткани становится светлее и радостнее в доме.
      Каждый половик имеет свое лицо. Мастерицы делают их в соответствии со своими представлениями о красоте. Но многое зависит и от того, какие есть в доме нитки и лоскутки, какими будут основа и уток ткани. Если найдутся желтые либо розовые катушки, то непременно по краям дорожки, а может быть и в середине ее, ткачиха проложит яркую полоску.
      Но чаще можно увидеть в доме половики с поперечными полосками. Они многокрасочны. Каждый цвет встречается всего два-три раза. Иногда же мастерица через одну-две полосы, как припев в песне, повторяет полоску темно-красного или темно-синего цвета, а между ними цвета располагаются свободно.
      На Севере предпочитали делать полосы широкие, цвета сдержанные, серебристые. А в Средней и Южной России краски половиков горят ярко, пламенеют красным цветом. В тульских половиках огненные красные, оранжевые, желтые узкие полосы перемежаются тонкими линиями других ярких цветов.
      Современное тканье половиков имеет в народном искусстве глубокие корни. Ткачество — это одно из древнейших ремесел. (Маленькие чудеса: Сб. очерков о русском народном искусстве / Сост. Н. В. Тарановская. — Л., 1981. — С. 96, 99.)      Урок 7. Беседа: Живописные просторы Родины. Пейзаж. Пространство и цвет. Творческая работа: Экспериментируй с красками и цветными карандашами. Прочти композиционные схемы пейзажей. Нарисуй картину «Родные просторы».
Основные цели и задачи урока-образа:
      1. Создавать условия для развития у учащихся нравственно-эстетического восприятия родной природы.      2. Расширять представления детей о пейзаже как жанре изобразительного искусства, как одном из средств выражения патриотических чувств человека.      3. Развивать у учащихся наблюдательность, цветовидение, углублять их представления о пространстве и способах его передачи на плоскости.      4. Совершенствовать работу с третьеклассниками по овладению графическими, живописными и композиционными навыками, расширению диапазона приемов работы с красками в передаче пространственных планов пейзажа.
Примерный ход урока:
      1. Знакомство детей с пейзажем в произведениях поэзии и изобразительного искусства. Рассказы третьеклассников о наблюдениях природы.      2. Работа учащихся с учебником, подготовка ответов на вопросы (с. 30), помогающие им уяснить особенности изображения пространства на плоскости.      3. Выполнение упражнений. Творческая работа в тетради (с. 16—17).      4. Итоги: выслушивание авторов работ о найденных ими решениях пространственных планов.
      Октябрь в России — это время золотой осени, ее торжества. Тема этого урока подсказана естественным желанием любого человека, чувствующего красоту родной природы, говорить поэтические, возвышенные слова, писать картины, чтобы запечатлеть и воссоздать эту красоту. Не случайно детям предлагается прочесть фрагменты стихотворений Н. Рубцова и К. Бальмонта и попытаться определить главную идею — идею безграничной любви к своей Родине, выраженную поэтами.
      Та же любовь, нежность к родным краям прослеживается и в картинах (У., с. 28—30), см. также осенний вернисаж (У., с. 5—9). Рассматривая живописные произведения, дети называют главный объект любования в работах разных художников, подбирают красочные эпитеты в подтверждение своих слов.
      На этом уроке усложняются представления учащихся о пространстве, о способах передачи его в пейзажных композициях. Детям предлагается ответить на вопросы (У., с. 30), которые нацеливают их на самостоятельное выявление особенностей пространственных изображений, таких как:
      • колористические изменения в передаче ближнего, среднего, дальнего планов;
      • использование художниками приема растяжения цвета при передаче глубины пространства.
      В творческой тетради (с. 16) ученики экспериментируют с акварельными красками, цветными карандашами, подбирая оттенки цвета при передаче пространственных планов в заданных графических композициях пейзажа. Затем третьеклассники в творческой тетради (с. 17) создают собственную картину «Родные просторы» с использованием предложенных композиционных схем.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛ
      Щербаков Борис Валентинович (род. 1916) родился в Петрограде в семье художника. Учился во Всероссийской академии художеств. Здесь его наставниками стали В. Н. Яковлев и И. И. Бродский.
      В своем творчестве Б. В. Щербаков в равной степени уделяет внимание различным жанрам живописи, пишет картины на исторические темы, создает портреты. Но ведущей в его творчестве становится пейзажная живопись. Художник изображает природу различных уголков России, а также Кавказа, Молдавии, зарубежных стран (Италии, Франции, Германии, Чехословакии, Японии), в которых он побывал. Тема природы с ее разнообразием, красотой и величием, ее неразрывной связью с деятельностью людей стала основной в творчестве художника. «Я очень люблю пейзаж. Люблю небо, и когда оно высокое, голубое и светлое, и когда оно в короткий зимний день низко висит над головой в мглистом своем уборе. Я люблю его осенью — хмурое, с серо-свинцовыми тучами… Я люблю оживление весны и конец лета с запахами меда и яблок, и снежную тихую зиму, и туманы… Словом, я люблю свою землю, свою Русь!» — признается народный художник России, член-корреспондент Академии художеств Б. В. Щербаков.
О пространстве в искусстве, природе и жизни
      Широкое пространство всегда владело сердцем русским. Оно выливалось в понятия и представления, которых нет в других языках. Чем, например, отличается воля от свободы? Тем, что воля вольная — это свобода, соединенная с простором, с ничем не прегражденным пространством. А понятие тоски, напротив, соединено с понятием тесноты, лишением человека пространства. Притеснять человека — это прежде всего лишать его пространства, теснить. Вздох русской женщины: «Ох, тошнехонько мне!» Это не только означает, что ей плохо, но что ей тесно — некуда деваться. <…>
      Помню в детстве русскую пляску на волжском пароходе компании «Кавказ и Меркурий». Плясал грузчик (звали их крючниками). Он плясал, выкидывая в разные стороны руки, ноги, и в азарте сорвал с головы шапку, далеко кинув ее в столпившихся зрителей, и кричал: «Порвусь! Порвусь! Ой, порвусь!» Он стремился занять своим телом как можно больше места. <…>
      Колокольный звон должен был быть слышен как можно дальше. И когда вешали на колокольню новый колокол, нарочно посылали людей послушать, за сколько верст его слышно. <…>
      А теперь взгляните на карту мира: русская равнина самая большая в свете. Равнина ли определила русский характер или восточнославянские племена остановились на равнине, потому что она пришлась им по душе? (Лихачев Д. Заметки о русском. — М., 1981. — C. 17.)      Литература: Хрестоматия по географии России. Образ страны: Пространства России. — М., 1994. — C. 49.
      Урок 8. Беседа: Родные края в росписи гжельской майолики. Русская керамика. Творческая работа: Экспериментиpyй. Получи растяжение цвета, как на майолике Гжели. Нарисуй деревья, как гжельские мастера. Укрась тарелочку.
Основные цели и задачи урока-повтора:
      1. Раскрыть красоту и функциональность гжельской майолики. Ввести в активный словарь школьников термины и понятия: керамика, майолика, квасник, кумган.      2. Формировать у учащихся эмоционально-ценностное восприятие произведений мастеров гжельской майолики, умевших в своем искусстве объединить наблюдения и впечатления от городской и деревенской жизни, архитектуры, живописи.      3. Развивать у учеников навыки рисования кистью, получения растяжения цвета в сюжетах по мотивам гжельской майолики.
Примерный ход урока:
      1. Путешествие в «машине времени»: Гжель 230 лет назад. Майолика XVIII в.      2. Освоение детьми на практике палитры мастеров гжельской майолики.      3. Рисование кистью по мотивам пейзажа майолики Гжели.      4. Итоги: сравнение работ, выполненных третьеклассниками на данном уроке и предыдущем и посвященных образу родной природы, формулирование вместе с учащимися вывода о том, что истоки различных художественных произведений едины.
      Не забываем напомнить о связи выполненной третьеклассникaми композиции с уроками художественного труда.
      Главная цель предлагаемой игры-путешествия — организовать коллективное творчество детей так, чтобы помочь им представить разнообразный мир образов гжельской керамики. К сожалению, у многих взрослых со словами «гжельская керамика» ассоциируется лишь образ сине-белого современного фарфора. Многим современникам не знакомы достижения мастеров Гжели XVIII—XIX вв. Поэтому так важно заронить в детские души интерес к Гжели — родине русской керамики, к творчеству мастеров, обращавшихся почти ко всем керамическим материалам и добивавшихся самого высокого художественного уровня на протяжении многовековой истории развития промысла. (См. справoчный материал.)
      Путешествие в стародавнее время, в XVIII в., начинается с рассказа о том, что в ту далекую пору люди пользовались посудой с многоцветной росписью по белому фону, получившей название «майолика». Предлагаем полюбоваться необычной формой посуды. Быстрее всего учащиеся узнают кувшин. Но их очень удивляет сосуд, у которого есть ручки, носик, крышка, стоит он на ножках-лапках. Тулово сосуда не округлое, как у кувшина, а плоское. Настоящий диск, а в центре — отверстие! Оказывается, что эта посудина — «родня» кувшину. В таком сосуде хранили и подавали квас, поэтому и назывался он квасником. Необычную форму такого сосуда придумали мастера Гжели. А поиск ее начался с русской глиняной фляги. Теперь можно рассмотреть и лепные украшения на сосудах, и их роспись. В ней мы видим всего четыре краски: желтую, зеленую, коричневую и синюю. Цветов немного, но как живописны различные сюжеты: дома-терема с затейливыми башенками, высокими крышами, увенчанными трубами, из которых вьется дымок. А как много птиц среди кустов и деревьев! (См. справочный материал.)
      Учащиеся отвечают на вопросы в учебнике (с. 32—33), а затем класс превращается в гжельскую мастерскую, в которой давным-давно изготавливали майоликовую многоцветную расписную посуду.
      Для того чтобы состоялся эксперимент на растяжение цвета, следует подготовить палитру с желтой, зеленой, коричневой и синей красками, затем сравнить расположение росписи на гжельских кувшинах, квасниках и кумганах.
      Эксперимент на растяжение цвета выполняется согласно последовательности, данной в творческой тетради (с. 19), там же показаны варианты изображения деревьев на квасниках, кувшинax, тарелках. Пробу отдельных деревьев третьеклассники выпoлняют в тетради, а потом создают пейзаж по мотивам гжельской майолики.
КРАТКИЙ СПРАВОЧНЫЙ МАТЕРИАЛТермины и понятия2      Квасник. Сосуд, в котором подают квас. От кумгана он отличается лишь круглым сквозным отверстием в центре тулова, получившим вид кольца.
      Керамика. От греческого слова «керамос» — глина — произошло название предместья Афин, где жили гончары, — Керамик, а отсюда уже и само слово «керамика»: изделия из обожженной глины. (Энциклопедический словарь юного художника / Сост. Н. И. Платонова, В. Д. Синюков. — М., 1983. — C. 179.)      Кумган. Кувшин с носиком, ручкой и крышкой.
      Майолика. Керамический материал. Черепок изделий пористый, грубый, цветной, чаще розово-желтый. Покрывается белой эмалью — стекловидным, непрозрачным, относительно толстым слоем. Роспись производится по еще не просохшей эмали.
      Полуфаянс. Керамический материал. Черепок изделий пористый, грубый, сероватый, изредка белый. Покрывается глазурью, реже эмалью. Роспись обычно синего цвета, подглазурная или надглазурная.
      Фарфор. Керамический материал. Черепок плотный, белый. Изделия покрываются красками надглазурными и подглазурными. Фарфор вобрал в себя лучшие качества, свойственные всем другим керамическим материалам. Просвечивающий, белоснежный, легкий, прочный, способный принять тончайшую живопись, фарфор многие столетия пленял воображение гончаров всех стран. Словом «фарфор» обозначают и изделия из этого материала. (С а л т ы к о в  А. Б. Русская народная керамика. — М., 1960. — C. 8.)      Взаимосвязь оригинальной формыс декоративной росписью в изделияхнародных мастеров
      Из истории керамики Гжели: рождение искусства майолики
      25 мая 1724 г. вышло воззвание Мануфактур-коллегии, дающее льготы любому, кто захочет завести фабрику ценинных изделий. В том же году в Москве была открыта ценинная и табачных трубок фабрика Афанасия Гребенщикова — первое майоликовое производство в России. (Слово «ценинный» сначала имело значение «китайский» — его относили к фарфору и синему цвету. В XVIII в. этим словом стали обозначать майолику.) Глину на фабрику Гребенщиков привозил из Гжели, да и к работе привлек гжельских мастеров. Во все времена гжельцы будут считаться лучшими, первыми в своем деле мастерами русского керамического производства.
      Выучившись у А. Гребенщикова новому мастерству и познав новый материал, гжельцы начали возвращаться в свои деревни и открывать у себя майоликовые заводы, налаживать майоликовое производство. Надо отметить, что гжельская майолика была значительно лучше и качественнее, чем московская, гребенщиковская. В 1778 г., не выдержав конкуренции, завод Гребенщикова закрывается. Гжель становится полноправным хозяином в производстве майолики — изготовлении супниц, тарелок, чашек, сервизов.
      Расцвет гжельской майолики приходится на 70—80-е гг. XVIII столетия, а в 90-х гг. уже начался ее упадок.
      Искусство майолики, создававшееся на русской почве деревенскими мастерами с их народным мировосприятием, приобрело совсем иной характер, нежели искусство майолики европейской. Если, например, знаменитая итальянская майолика эпохи Ренессанса заимствовала сюжеты росписи в живописи и графике своего времени и служила декоративным целям (большие вазы, огромные блюда, барельефы), то гжельская имела, как правило, утилитарные формы, свойственную народному искусству плоскостную, с яркими цветовыми пятнами манеру росписи. Гжельцы изготовляли из майолики чуть ли не весь ассортимент необходимой в домашнем обиходе посуды. Однако в народе всегда жила потребность в нарядных, ярких художественных изделиях. Каждому настоящему мастеру хотелось создать вещь своеобразной формы, с интересными или забавными деталями, выбрать сюжет для росписи, понятный заказчику, расцветить ее яркими красками. Так появились в Гжели изделия, принесшие ей всемирную славу, — это квасники (сосуды для кваса, пива), кумганы, декоративные настенные тарелки, кувшины в виде двуглавых орлов.
      Кумганы и квасники не только являются специфически гжельскими изделиями, они наиболее интересны по своеобразию форм и мастерству исполнения.
      Дисковидное тулово с отверстием в середине (квасник) или без него (кумган), широкое ребро, поддерживаемое четырьмя львиными лапами, вытянутая шейка с широким венцом, оканчивающимся выпуклой крышкой, изящно изогнутый носик, затейливая ручка из закрученных стеблей — характерные детали гжельских сосудов. Несколько десятков таких квасников и кумганов, сохранившихся до наших дней, неизменно вызывают чувство удивления оригинальностью формы, декоративностью, несхожестью с сосудами для напитков у других народов. Их форма рождена фантазией гжельских мастеров, которые в десятках вариантов воспроизвели известную форму русской глиняной фляги, придав ей бóльшую объемность и дополнительные элементы в виде носика, ручки, горла и изменив конфигурацию ножек.
      Гжельские гончары не ограничивались поисками новой формы, в иных случаях они дополняли ее скульптурными фигурками. Именно в соединении посудной формы и круглой скульптуры и заключена прелесть гжельской художественной майолики, это одна из ее характерных особенностей.
      Столь же оригинальна и роспись на кумганах и квасниках. Сюжеты ее не заимствованы из литературных или живописных источников. Каждая «картинка» на гжельской посуде — результат творчества гончара, человека зачастую неграмотного, но с чутьем художника, объединяющего в своем искусстве наблюдения и впечатления от городской и деревенской жизни, архитектуры, живописи.
      Гжельские майоликовые росписи — это раскрашенный от руки рисунок. На светлую эмаль темной краской наносили контур, он расцвечивался внутри зеленой, желтой, коричневой и синей красками. В большинстве случаев гжельские гончары воспроизводили в росписях окружающий их мир.
      Чаще других изображений на гжельских квасниках и блюдах встречаются архитектурный пейзаж и мотивы природы: растения, животные, птицы. Особенно птицы. Они изображались в разных позах, стоящими или сидящими, клюющими, взлетающими, порхающими, устроившимися на ветвях, оглядывающимися назад (птицы-оглядыши). Мастера живо схватывали и передавали позы и повадки пернатых. (Астраханцева Т. Сопроводительный текст к слайд-фильму «Гжельская керамика» / Сост. Т. Я. Шпикалова. — М., 1992. — С. 6, 7.)

Приложенные файлы


Добавить комментарий