ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКАЯ РАБОТА Тема: «Формирование эстетической культуры учащихся на уроках хореографии».

Муниципальное общеобразовательное учреждение
«Средняя школа № 4 городского округа Стрежевой
с углубленным изучением отдельных предметов»

636785, Томская область, г. Стрежевой, 4 микрорайон, д. 458,
E-mail: [ Cкачайте файл, чтобы посмотреть ссылку ], тел/факс: (382-59) 5-76-32



ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКАЯ РАБОТА
Тема: "Формирование эстетической культуры учащихся на уроках хореографии".

Выполнил:
учитель музыки Еремеев В.С.




Стрежевой 2015г.
СОДЕРЖАНИЕ.
Понятие эстетической культуры 3
Музыкальное искусство как средство формирования эстетической культуры 6
Совокупность музыкального сопровождения и хореографической деятельности как условие формирования эстетической культуры 19














ПОНЯТИЕ ЭСТЕТИЧЕСКОЙ КУЛЬТУРЫ
Неотъемлемой составной частью культуры общества является эстетическая культура, то есть совокупность эстетических ценностей, существующих в обществе, способы и средства их создания и освоения. Важнейшим моментом эстетической культуры является искусство в его многообразных видах, а также процессы его создания и восприятия.
В духовный мир каждого из нас искусство входит с детства и сопровождает на протяжении всей жизни. Художественные образы любимых героев постоянно идут рядом с нами, учат нас жить, открывать горизонты жизни. Восприятие произведений искусства, их глубокое понимание развивает эстетическое сознание человека, способствует формированию эстетических чувств, вкусов, взглядов, идеалов. Эстетическое переживание в момент восприятия искусства (будь то наслаждение или радость, гнев или ненависть) не укладывается в рамки обычных эмоций. Оно включает в себя определенное отношение и сопровождается эстетической оценкой. При этом оценки и суждения могут быть самыми разными, в зависимости от цели, подхода, глубины знаний, степени образованности, мировоззрения, потому что любое более или менее значительное произведение искусства, в отличие от любого, скажем, закона, геометрической фигуры, обладает многозначной эстетической идеей.
Эстетическое отношение человека к действительности, включая природную и предметную среду, искусство, имеет свои объективные закономерности, которые доступны осмыслению, изучению и правильному использованию. Эстетические закономерности находят проявление в жизни природы и общества, в эстетическом сознании и деятельности, особенно в искусстве.
Чем выше в своем развитии становится человек, тем более важную роль в его жизни приобретает теоретическое осмысление культуры, подкрепление его четких идейных позиций средствами научного познания. Изучение марксистко - ленинской эстетики и теории искусства помогает наиболее плодотворно овладевать теми поистине неисчерпаемыми ценностями, которые составляют эстетическую культуру человечества. Таким образом, освоение теоретических принципов эстетики как науки является одной из важных ступеней на пути всестороннего развития личности.
Марксистко - ленинская эстетика рассматривает генезис эстетического в самой действительности, различные формы эстетического сознания, начиная с первоначальной ступени - эстетического восприятия, чувства - до эстетических концепций. Как и во всякой науке, в эстетике выработаны различные категории, своя терминология и т. д.
Основные формы эстетического сознания - это эстетическое восприятие, эстетическое переживание, эстетическое наслаждение, эстетический идеал, эстетическая оценка и характеристика, эстетическое суждение, эстетический вкус, эстетические взгляды, эстетическая теория.
К наиболее общим категориям в эстетике относятся прекрасное и безобразное, возвышенное и низменное, трагическое и комическое, художественный образ и т. д.
Важное место в проблематике эстетики занимают обще эстетические закономерности искусства как наиболее концентрированной и полной формы эстетического сознания и деятельности. Эстетика рассматривает проблемы специфики искусства как особой идеологии, особой формы мышления, общего и своеобразного в различных видах искусства, вопрос о закономерности исторического развития искусства, о партийности и народности искусства, проблемы художественного метода и стиля и т. д.
Эстетика изучает общие принципы эстетического воспитания и дает основы для их практического применения в различных сферах социальной жизни и непосредственно в школьной работе, в процессе эстетического воспитания и образования подрастающего поколения.
В нашей стране воспитание молодежи является делом государственной важности. Эстетическое воспитание оказывает глубокое воздействие на духовный мир человека, помогает раскрывать его творческие способности, необходимые для любой сферы деятельности, для любой профессии.











МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО КАК СРЕДСТВО ФОРМИРОВАНИЯ ЭСТЕТИЧЕСКОЙ КУЛЬТУРЫ

Музыкальное искусство с глубокой древности было теснейшим образом связано со всею жизнью человека - с его трудом и повседневным бытом, с его материальными и духовными потребностями. Еще за долгие тысячелетия до нашей эры люди сложили первые напевы и изготовили простейшие музыкальные инструменты. Трудовые возгласы и охотничьи сигналы, пастушеские зовы и воинственные кличи - все это служило практической деятельности человека. Но вместе с тем всегда и во все времена музыка, пусть в самых своих примитивных формах, воодушевляла и вдохновляла человека, она была могущественным средством общения людей.
На протяжении тысячелетий вопрос о сущности, природе музыкального искусства, о тайне его воздействия на человека занимал и волновал умы философов, поэтов, музыкантов. Еще в IV в. до нашей эры Платон писал :" Ритм и гармония больше всего проникают в глубину души и сильнее всего захватывают ее". Величайший из мыслителей античности Аристотель утверждал :"Не должна ли музыка, помимо того, что она доставляет обычное наслаждение...служить еще более высокой цели, а именно: производить свое действие на человеческую этику и психику". Об этом же спустя столетия писал Шекспир :

Нет на земле живого существа
Столь жестокого, крутого, адски злого,
Чтоб не могла хотя на час один
В нем музыка свершить переворота...
И далее – Гете, Гюго... Пушкин:
... Из наслаждений жизни
Одной любви музыка уступает,
Но и любовь – мелодия...
В наше время развитие всех средств коммуникации содействовало широчайшему распространению музыки: радио, телевидение, разнообразные средства механической записи ввели ее в буквальном смысле слова в каждый дом. И по-прежнему она остается из всех искусств не только самым всеобъемлющим и распространенным, но и наиболее сложным, наиболее трудным для постижения.
В самом деле, выразительные средства музыки не обладают той непосредственностью и наглядностью, которые присуще художественному слову, картине или драматическому произведению. Язык точных понятий чужд музыке, - это искусство обобщенной выразительности, сугубо условное по самой своей природе.
Когда мы смотрим спектакль или кинофильм, читаем книгу, любуемся картинкой или скульптурой, перед нами проходят определенные события, люди, пейзажи, реальные предметы. Все, что окружает человека в жизни, с чем он так или иначе сталкивается и взаимодействует, может быть здесь описано или показано непосредственно, наглядно.
В отличие от этого понимание музыки многозначно. Каждый слушатель воспринимает ее содержание по-своему. Недаром существует такое суждение: "Тысяча человек – тысяча "Лунных Сонат"...".
Заметим, что уже сам процесс восприятия музыки у людей неодинаков. У одних при этом возникают разнообразные зрительные образы, картины, другие впитывают музыку " как таковую", ощущая самый характер, настрой звукового потока. Это различие в процессе слушания музыки влечет за собой и разное ее понимание, в особенности когда речь идет о так называемой "чистой", т.е. инструментальной, музыке, не связанной с программой (со словом, с литературным сюжетом) или со сценическим действием.
Эта условность, многозначность музыкального искусства, дающая повод для различных толкований смысла одного и того же сочинения, привела к возникновению формалистических теорий, смысл которых сводится к тому, что музыка (имеется в виду "чистая", или, как прежде говорили "абсолютная", музыка) не несет в себе никакого содержания, а значит, ничего не выражает и представляет собой лишь комбинации звуков.
В противоположность этому материалистическая этика утверждает, что, так же как и другие виды художественного творчества, музыка не существует и не может существовать вне и независимо от содержания; что музыкальное произведение, как и любое другое создание искусства, есть отражение в сознании его творца каких-либо жизненных явлений, фактов, чувств, а чувства, в свою очередь, разве не рождаются в связи с какими - то вполне реальным событиями или явлениями жизни?
Вот почему, подчеркивая специфические черты музыки, не следует отделять, отграничивать ее от других искусств. Каждое создание художественного творчества, к какому бы виду искусства оно не принадлежало, не может являть собой лишь копию с натуры. Оно всегда окрашено личными настроениями художника, его эмоциями, его видением мира – и уже в силу этого в нем заключена условность.
Музыка, как правило, и не нуждается в точном предметном соответствии звуковых образов образам реальной действительности. Главная ее, преобладающая сфера – эмоция, чувство, настроение (недаром Л. Толстой назвал музыку "стенографией чувств"). В этой сфере, в раскрытии внутреннего мира человека, музыкальное искусство обладает поистине несравненной силой и неограниченными возможностями. Вот почему вовсе необязательны (хотя и не исключены) зрительные представления при слушании произведения.
Мятежность и покой, любовь и ненависть, печаль и радость – все это великое многообразие чувств, в самых тончайших своих оттенках и переливах, нередко недоступных адекватному словесному выражению (недаром говорят: " Музыка начинается там, где кончаются слова!"), находит свое отражение в искусстве музыки.
Однако в сферу подвластных музыке жизненных явлений входят не только чувства. Музыка может также передавать мысль (хотя и в гораздо более ограниченной степени). Разумеется, речь идет не о сугубо конкретных или обыденных понятиях, но о мыслях-обобщениях, заключающих в себе глубокую философскую идею. Борьба добра и зла, свободы и тирании, гуманности и человеконенавистничества, крушение добрых и чистых чувств при столкновении с действительностью или, напротив, торжество их в единоборстве со злом, утверждение единения личности со всем народом, с человечеством в их общей борьбе за осуществление светлых идеалов – таковы мысли, идеи, выраженные в целом ряде симфонических, инструментальных сочинений, созданных великими музыкантами прошлого и настоящего - Бетховеном и Шубертом, Чайковским и Малером, Шостаковичем и Прокофьевым...
Музыкальному искусству также присущи и определенные изобразительные свойства. Вспомним, что наши чувства - зрение и слух - всегда взаимодействуют между собой в чувственном познании мира. То или иное звуковое впечатление вызывает в нас ( или, точнее, может вызвать ) соответствующие ему зрительные ассоциации. Вот на этих ассоциативных свойствах мышления, на способности сопоставлять, соединять слуховые и зрительные впечатления и основываются изобразительные возможности музыки.
Те или иные образы могут быть созданы в музыке посредством песен, танцев, маршей. Каждый из этих бытовых жанров обладает совокупностью свойственных ему средств, художественных приемов, легко "опознаваемых" слушателем.
Мы без труда, например, отличим маршевую музыку от плясовой, а пляску от лирической песни. С той же легкостью определим религиозный характер песнопения, узнаем старинный придворный танец и отличим похожую на народный напев "русскую" тему от темы "восточной" или "испанской".
Эти бытовые жанры возникли в определенную эпоху в той или иной стране; они воплощают вкусы и черты своего времени. Воспроизводя какой-либо образец бытового жанра, композитор тем самым изображает "звуковую атмосферу" определенной общественной среды. Переносясь в нее, мы можем представить себе и обстановку, для которой характерен данный музыкальный жанр, и людей, которые так или иначе действуют в этой обстановке.
Чем объяснить огромную силу воздействия музыки на духовный мир человека?
Прежде всего ее удивительной возможностью отображать переживания людей в разные моменты жизни. Ликует народ - это выливается в торжественные и радостные звуки музыки; поет солдат в походе - песня придает бодрое настроение, организует шаг; мать скорбит о погибшем сыне - печальные звуки помогают выразить горе. Музыка сопровождает человека всю жизнь.
Народное музыкальное творчество Н. В. Гоголь образно назвал "звучащей историей", "звонкими живыми летописями".
Музыкальные произведения отражают страницы истории. В дни Великой Отечественной войны родилась одна из лучших песен того времени - "Священная война" А. Александрова. Она объединяла советских людей в их суровой, непреклонной решимости вести борьбу до полной победы. В осажденном Ленинграде Д. Шостакович создает знаменитую Седьмую симфонию. В ней осуждается величайшее зло, которое несет фашизм. "Не люблю про себя такие слова говорить, но это была моя самая вдохновенная работа", - вспоминал композитор. Ему принадлежат и такие слова :" В горе и в радости, в труде и на отдыхе – музыка всегда с человеком. Она так полно и органично вошла в жизнь, что ее принимают как нечто должное, как воздух, которым дышат, не задумываясь, не замечая... Насколько беднее стал бы мир, лишившись прекрасного своеобразного языка, помогающего людям лучше понимать друг друга".
В этом другая особенность музыки – объединить людей в едином переживании, стать средством общения между ними. Воспринимается как чудо, что музыкальное произведение, созданное одним человеком, вызывает определенный отклик в душе другого. Великий русский композитор П. И. Чайковский говорил : "Я желал бы всеми силами души, чтобы музыка моя распространялась, чтобы увеличилось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору". И дальше : "Может быть, никогда в жизни не был польщен и тронут в своем авторском самолюбии, как когда Лев Николаевич (Толстой), слушая Andante моего квартета и сидя со мной, залился слезами".
Яркие художественные произведения, выражающие мир больших мыслей и глубоких чувств человека, способные вызвать эмоциональный отклик, воздействуя на эстетическую сторону души, становятся источником и средством воспитания.
Третья особенность музыки, по выражению Д. Шостаковича, "прекрасный своеобразный язык". Сочетая выразительную, яркую мелодию, гармонию, своеобразный ритм, композитор выражает свое мироощущение, свое отношение к окружающему. Такими произведениями и обогащаются все те, кто воспринимает их.
Способна ли музыка с одинаковой силой воздействовать на всех слушателей? Разумеется, нет. И в этом еще одна ее особенность. Каждый человек по - своему проявляет интерес и увлечение музыкой, отдает предпочтение какому - либо музыкальному жанру, любимому композитору, отдельному произведению, имея определенный опыт слушания. Как учатся читать, писать, считать, рисовать , так надо учиться узнавать, оценивать музыку, внимательно слушать, отмечая динамическое развитие образов, столкновение и борьбу контрастных тем и их завершение. Восприятие слушателя должно следовать за всем ходом развития музыки. Надо учиться постигать этот "прекрасный своеобразный язык". Постепенно вырабатывается музыкальный вкус, возникает потребность постоянного общения с музыкой, художественные переживания становятся более тонкими и разнообразными.
Еще одна интересующая нас особенность музыки – воздействовать на человека с самых первых дней его жизни. Услышав нежный напев колыбельной, ребенок сосредотачивается, затихает. Но вот раздается бодрый марш, и сразу меняется выражение детского лица, оживляются движения! Ранняя эмоциональная реакция позволяет с первых месяцев жизни приобщать детей к музыке, сделать ее активным помощником эстетического воспитания.
Гармоническое сочетание умственного и физического развития, нравственной чистоты и эстетического отношения к жизни и искусству – необходимые условия формирования целостной личности. Достижению этой высокой цели во многом способствует и правильная организация музыкального воспитания детей.
Эстетическое воспитание направленно на развитие способностей дошкольников воспринимать, чувствовать и понимать прекрасное, замечать хорошее и плохое, творчески самостоятельно действовать, приобщаясь тем самым к различным видам художественной деятельности.
Одним из ярких средств эстетического воспитания является музыка. Чтобы она выполнила эту важную функцию, надо развивать у ребенка общую музыкальность. Каковы же основные признаки общей музыкальности?
Первый признак музыкальности – способность чувствовать характер, настроение музыкального произведения, сопереживать услышанному, проявлять эмоциональное отношение, понимать музыкальный образ.
Музыка волнует маленького слушателя, вызывает ответные реакции, знакомит с жизненными явлениями, рождает ассоциации. Ритмичное звучание марша вызывает у него радость, подъем, пьеса о заболевшей кукле заставляет грустить.
Второй признак музыкальности – способность вслушиваться, сравнивать, оценивать наиболее яркие и понятные музыкальные явления. Это требует элементарной музыкально-слуховой культуры, произвольного слухового внимания, направленного на те или иные средства выразительности. Например, сопоставлять простейшие свойства музыкальных звуков (высокий и низкий, тембровое звучание рояля, скрипки и т.д.), различать простейшую структуру музыкального произведения (запев песни и припев, три части в пьесе и т.д.), отмечать выразительность контрастных художественных образов (ласковый, протяжный характер запева и энергичный, подвижный – припева). Постепенно накапливается запас любимых произведений, которые ребята с большим желанием слушают и исполняют, закладываются первоначальные основы музыкального вкуса.
Третий признак музыкальности – проявление творческого отношения к музыке. Слушая ее, ребенок по-своему представляет художественный образ, передавая его в пении, игре, танце. Например, каждый ищет выразительные движения, характерные для бодро марширующих пионеров, тяжело ступающего медведя, подвижных зайчиков и т.д. Знакомые танцевальные движения применяются в новых комбинациях и вариантах.
С развитием общей музыкальности у ребят появляется эмоциональное отношение к музыке, совершенствуется слух, рождается творческое воображение. Переживания детей приобретают своеобразную эстетическую окрашенность.
Музыка, непосредственно воздействуя на чувства ребенка, формирует его моральный облик. Воздействие музыки бывает подчас более сильным, чем уговоры и наказания, знакомя детей с произведениями различного эмоционально-образного содержания, мы побуждаем их к сопереживанию.
Хороводы, песни, танцы разных народов вызывают интерес к их обычаям, воспитывают интернациональные чувства. Жанровое богатство музыки помогает воспринять героические образы и лирическое настроение, веселый юмор и задорные плясовые мелодии. Разнообразные чувства, возникающие при восприятии музыки, обогащают переживания детей, их духовный мир.
Решению воспитательных задач во многом способствуют коллективное пение, танцы, игры, когда дети охвачены общими переживаниями. Пение требует от участников единых усилий. Поющий неточно мешает хорошему звучанию, исполнителю, и это воспринимается всеми как неудача. Общие переживания создают благотворную почву для индивидуального развития. Пример товарищей, общее воодушевление, радость исполнения активизируют робких, нерешительных. Для избалованного вниманием, излишне самоуверенного успешное выступление других детей служит известным тормозом отрицательных проявлений. Такому ребенку можно предложить оказать помощь товарищам, воспитывая тем самым скромность и одновременно развивая его индивидуальные способности.
Занятия музыкой влияют на общую культуру поведения ребенка. Чередование различных заданий, видов деятельности (пения, слушания музыки, игры на детских инструментах, движение под музыку) требует от детей внимания, сообразительности, быстроты реакции, организованности, проявления волевых усилий: исполняя песню, вовремя начать и закончить ее; в танцах, играх уметь действовать, подчиняясь музыке, удерживаясь от импульсивного желания быстрее побежать, кого-то перегнать. Все это совершенствует тормозные процессы, воспитывает волю.
Таким образом, музыкальная деятельность создает необходимые условия для формирования нравственных качеств личности ребенка, закладывает первоначальные основы общей культуры будущего человека.
Восприятие музыки тесно связано с умственными процессами, т.е. требует внимания, наблюдательности, сообразительности. Дети прислушиваются к звучанию, сравнивают сходные и различные звуки, знакомятся с их выразительным значением, отмечают характерные смысловые особенности художественных образов, учатся разбираться в структуре произведения. Отвечая на вопросы воспитателя, после того как отзвучало произведение, ребенок делает первые обобщения и сравнения: определяет общий характер пьесы, замечает, что литературный текст песни ярко выражен музыкальными средствами. Эти первые попытки эстетической оценки требуют активной умственной деятельности и направляются педагогом.
Как и другие виды искусства, музыка имеет познавательное значение. В ней отражены жизненные явления, обогащающие детей новыми представлениями. Слушая, например, песню "Это наша Родина" Е. Тиличеевой, они чувствуют торжественность, подъем, ликование народа, прославляющего нашу Родину.
Развивая ребенка эстетически и умственно, необходимо всячески поддерживать пусть еще незначительные творческие проявления, которые активизируют восприятие и представление, будят фантазию и воображение.
Когда взрослый ставит перед ребенком творческие задания, то возникает поисковая деятельность, требующая умственной активности. Например, в пении ребенок импровизирует, создает свой вариант мелодии, старается найти соответствие литературного текста выразительными интонациями.
В музыкально-ритмической деятельности дети с большим удовольствием придумывают, комбинируют движения пляски, напевая и двигаясь под музыку. Танец, народная пляска, пантомима и особенно музыкально-игровая драматизация побуждает детей изобразить картинку жизни, охарактеризовать какой-либо персонаж, используя выразительные движения, мимику, слово. При этом наблюдается определенная последовательность: ребята слушают музыку, обсуждают тему, распределяют роли, затем уже действуют. На каждом этапе возникают новые задачи, заставляющие мыслить, фантазировать, творить.
Музыка, воспринимая слуховым рецептором, воздействует на общее состояние всего организма человека, вызывает реакции, связанные с изменением кровообращения, дыхания. В.М. Бехтерев, подчеркивая эту особенность, доказал, что если установить механизмы влияния музыки на организм, то можно вызвать или ослабить возбуждение. П.Н. Анохин, изучавший вопросы влияния мажорного или минорного лада на состояние организма, делает вывод, что умелое использование мелодического, ритмического и других компонентов музыки помогает человеку во время работы и отдыха. Научные данные о физиологических особенностях музыкального восприятия дают материалистическое обоснование роли музыки в воспитании ребенка.
Пение развивает голосовой аппарат, укрепляет голосовые связки, улучшает речь (врачи-логопеды используют пение при лечении заикания), способствует выработке вокально-слуховой координации. Правильная поза поющих регулирует и углубляет дыхание.
Занятия ритмикой, основанные на взаимосвязи музыки и движения, улучшает осанку ребенка, координацию, вырабатывают четкость ходьбы и легкость бега. Динамика и темп музыкального произведения требуют и в движениях соответственно изменять скорость, степень напряжения, амплитуду, направление.

















СОВОКУПНОСТЬ МУЗЫКАЛЬНОГО СОПРОВОЖДЕНИЯ И ХОРЕОГРАФИЧЕСКОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ КАК УСЛОВИЕ ФОРМИРОВАНИЯ ЭСТЕТИЧЕСКОЙ КУЛЬТУРЫ
Танец – эхо музыки, мелодичный и ритмичный звук, ставший мелодичным и ритмичным движением человеческого тела, раскрывающим характеры людей, их чувства и мысли о мире. Хореографический образ возникает из музыкально – ритмичных выразительных движений, дополняемых порой пантомимой, иногда специальным костюмом и вещами из бытового, трудового или военного обихода (оружие, платки, посуда и т.п.).
Эмоциональное состояние человека выражается не только в голосе, но и в жестикуляции, характере движений. Даже походка человека может быть стремительна, радостна, печальна. Движения человека в повседневной жизни и в труде всегда так или иначе эмоционально интонированы, выразительны и подчинены определенному ритму. Танец веками шлифовал и обобщал эти выразительные движения, и в результате возникла целая система собственно хореографических движений, свой художественно – выразительный язык пластики человеческого тела. Танец национален, он в обобщенной форме выражает характер народа.
Как и музыка, танец сначала существовал одновременно как творческое и исполнительское искусство (автор одновременно был и исполнителем). Позже, с усложнением этих искусств, сочинитель (композитор, балетмейстер) отделился от исполнителя (музыканта, танцора).
Основоположник балетного театра Ж.Ж. Новерр писал: "Вложенная в нас природой любовь к музыке влечет за собой и любовь к танцу. Оба эти искусства – братья, неотделимые друг от друга. Нежные и гармонические интонации одного из них вызывают приятные выразительные движения другого, сообща они являют увлекательные картины зрению и слуху...
Гармоничное слияние искусств покоряет зрителя и заставляет его испытывать самое восхитительное из наслаждений".
Танец возник в глубокой древности, еще в условиях первобытнообщинного строя, как художественное воспроизведение охоты и трудовых процессов. В первобытном обществе танец объединял людей. Например, у австралийских племен танцем отмечалось всякое важное общественное событие, требующее массового действия: сбор плодов, начало охоты, посвящение юношей, военный поход.
В Древней Индии был разработан ряд стилей и школ танца с различной мимикой и выразительными движениями. В Древнем Египте танец входил в ритуал богослужения. У древних греков танец был также частью культа. Кроме того, были развиты "пиррические" (военные), атлетические (спортивные) танцы, способствовавшие гармоническому воспитанию молодежи.
В средние века искусство хореографии подвергалось гонениям официальных властей, но народное танцевальное искусство продолжало развиваться. В эпоху Возрождения танец вновь обретает популярность. В 1661г. во Франции была создана Королевская академия танца, разработавшая систему классической хореографии, которая сыграла большую роль в развитии балетного искусства.
В России первое танцевальное представление "Балет об Орфее и Евридике" было поставлено в 1673г.
Музыка И.П. Чайковского, творчество балетмейстеров Ш. Дидло и М. Петипа, танцевальное искусство А. Истоминой и А. Павловой сформировали самобытную школу русского балета.
Балет – это искусство музыкального театра. Если содержание музыки станет для учащихся сознательным, активным творческим началом, внутренним чувством действия, которым они могут управлять, значит, школа хорошо подготавливает своих питомцем к сцене. Театр с благодарностью и более успешно завершит эту работу, ибо он является для молодого артиста второй школой, окончательно формирующей его музыкально-актерскую культуру.
Настоящему танцовщику необходимо не только уметь слушать музыку и проникаться ее содержанием, но и любить ее, понимать, чувствовать, увлекаться ею. Поэтому и преподаватель и его питомцы должны уделять в своих занятиях особое внимание не только развитию ритмической, но и эмоционально-действенной связи музыки и танца. И уж, конечно, отлично осознавать, что музыка – это искусство, в котором идеи, чувства и переживания выражаются ритмически и интонационно организованными звуками; что в танце идеи, чувства и переживания выражаются тоже ритмически и интонационно средствами организованной пластики сценического движения, то есть при помощи хореографической композиции, позы и актерского жеста; что музыкальность – это способность к музыке, тонкое понимание ее. И, наконец, что без подлинной музыкальности нельзя овладеть подлинной танцевальностью, ибо содержание музыкального произведения и сценического действия – едины, неделимы. Образ музыкальный и хореографический – это синтез художественности в исполнительском искусстве театрального танца.
Следовательно, в учебной работе надо подвести учащихся к тому, чтобы они стремились выполнять каждое задание не только технически грамотно и физически уверенно, но и творчески увлеченно, музыкально.
Музыкальность будущего танцовщика слагается как бы из трех взаимосвязанных между собой исполнительских компонентов.
Первый компонент – это способность верно согласовывать свои действия с музыкальным ритмом.
Известно, что каждое музыкальное произведение имеет свой ритм, средствами измерения и сознания которого является метр – строение музыкального такта, - и темп - степень скорости исполнения и характер движения музыкального произведения, что каждое танцевальное произведение всегда строго следует ритму музыкального произведения, а это во многом определяет динамику развития и характер сценического действия.
Малейшее нарушение музыкального ритма всегда лишает танец действенной и художественной точности выражения.
Поэтому необходимо обращать особое внимание на то, чтобы музыкальный ритм воспринимался учащимися не как простой, механический точный счет долей времени, а как выразительный компонент танца.
Разумеется, в начале учащиеся должны хорошо освоить простейшие музыкальные и хореографические ритмы размером на 2/4 и 4/4, затем более сложные на ѕ и 6/8 и т. д., постепенно переходя от медленных темпов к быстрым и к усилению динамически исполняемых упражнений, что будет способствовать воспитанию более чуткой, художественно верной связи музыки и танца.
Второй компонент музыкальности – это умение учащихся сознательно и творчески увлеченно воспринимать тему – мелодию, художественно воплощая ее в танце.
Известно, что содержание каждого музыкального произведения распознается по теме – мелодии, которая способна своим выразительным звучанием передать самые различные образы и состояния, обладающие интонационными, ритмическими, динамическими и тембровыми особенностями. Каждый танец стремится раскрыть тему музыкального произведения, определяя тем самым образ, характер и суть сценического действия. Следовательно, музыкальная тема должна восприниматься учащимися не отвлеченно и параллельно, а художественно, как единое целое.
Танец без внутреннего творческого побуждения не может стать подлинно живым выразителем сценического действия. Эмоциональное восприятие музыкальной темы всегда вызывает у учащихся стремление действовать не только технически совершенно, но и осмысленно, увлеченно, то есть творчески, а не формально, шаблонно.
Никто из преподавателей хореографии не сомневается в том, что исполнительская техника танцовщика должна совершенствоваться в неразрывной связи с развитием чувства музыкального ритма, умением абсолютно точно согласовывать свои действия с чередованием и соотношением музыкальных длительностей и акцентов. Вместе с тем существуют расхождения в том, что эмоционально - образная и метро - ритмическая стороны музыкального произведения, предназначенного для учебных занятий, не должны восприниматься учащимися одновременно как единое целое, с одинаковой ясностью, что это отвлекает внимание учащихся от развития высокой и точной техники танца. Поэтому ритм музыки на уроках классического танца должен быть всегда очень четким и ясным, преимущественно на 2/4 или 4/4, а музыкальная тема по своему характеру возможно более отвлеченной, она не должна затрагивать воображение ученика и призывать его к активным, эмоционально - осмысленным действием.
Осмысленное и увлеченное восприятие музыкальной темы вовсе не мешает развитию высокой техники танца, напротив, активизирует его, если это, конечно, делается умело, в должной мере и с должным вкусом, последовательно по отношению к учебным целям предмета, профессиональным и возрастным возможностям учащихся.
Поэтому очень важно, чтобы в основе всего курса обучения классическому танцу, каждого урока, каждого отдельного учебного задания, даже самого элементарного, лежало осмысленное, живое восприятие музыки. Это есть непреложный закон театральной хореографии, без которого она не может существовать.
Необходимо еще в школе заронить в будущего танцовщика стремление к сознательному, а не интуитивному творчеству. Музыка для него должна быть не только ритмической "опорой" движения, а и внутренним стимулом эмоциональной увлеченности, которая выражается вполне сознательно в живой, технически совершенной и одухотворенной пластике танцевальной позы. Причем музыкальная тема – мелодия должна восприниматься учащимися не поверхностно и приблизительно, а как эмоционально – образное действенное начало.
Будущий танцовщик, если он любит музыку, внутренне тянется к ее теме. Как музыкант – исполнитель, он вкладывает в ежедневные упражнения, даже самые элементарные, черты своей увлеченности, из которых формируется его творческая индивидуальность. Следовательно, музыкальная тема всегда должна проявляться в исполнении ученика как его художественное, эмоционально – волевое чувство танца, как живая, вполне сознательная хореографическая кантилена. Отношение к содержанию музыкальной темы должно проявляться в действиях ученика естественно, просто, свободно, без нарочитости и подчеркивания или какого - либо "нажима".
Способность внимательно и верно воспринимать музыку, увлекаться ее содержанием необходимо воспитывать с первого года обучения, как только ученики твердо встанут на ноги, хорошо усвоят исполнительские приемы своих экзерсисов как у станков, так и на середине зала.
Умение слушать музыкальную тему во время сильнейшего физического и нервного напряжения свидетельствует об истинном мастерстве танцовщика. Прервать внутреннюю связь с музыкальной темой – значит уйти от осмысленного действия только в технику.
Артист – танцовщик узнает музыкальную тему заранее, до сценического выступления и "вживается" в ее содержание. Ученик знакомится с нею только во время урока.
Однако и артист и ученик в период предельного напряжения всех сил всегда испытывают огромную трудность, которая связана с задачей сохранения музыкально – творческой увлеченности. Этому искусству и надо учить своих питомцев, и не только на репетициях, но и на обычных уроках классического танца.
Уходя с урока, ученик должен отчетливо помнить не только хореографию, наставления учителя, но и музыкальные темы, которые давали ему внутреннюю увлеченность, действенность (пусть даже самую малую) и тоже помогали развивать технику танцевального мастерства.
Поэтому повторять учебное задание на текущем или следующем уроке (например, Adagio или Allegro) стоит не только в целях развития более точной техники танца , но и ради лучшего, более художественного осмысления уже знакомой музыкальной темы. Однако "заигрывать" музыкальные темы, особенно "любимые", тоже не следует, так как теряется эмоциональная острота их восприятия.
Третий компонент музыкальности – это умение учащихся внимательно вслушиваться в интонации музыкальной темы, стремясь технически верно и творчески увлеченно воплотить их звучание в пластике танца.
Словом, музыка и хореография должны стать для ученика единым объектом его внимания во всех отношениях.
Практика советского балетного театра убеждает в том, что умение верно чувствовать и свободно отображать интонацию музыки в танце должно воспитываться у учащихся так же, как верное чувство ритма и понимания темы. Можно уметь ритмично танцевать, тонко и верно воспринимать содержание музыкальной темы, но не уметь или недостаточно уметь отобразить ее интонации в своих действиях. Поэтому не только что, но и как говорит музыкальная тема, ученик должен воспринимать одновременно и именно на уроках классического танца.
Изменяя пластический характер выполнения какого – либо упражнения, разумеется в полезно допустимых рамках, усиливая или ослабляя ритмические акценты (сильно – энергично, мягко – сдержанно, плавно – певуче, чеканно – убыстренно и т.д. и т.п.), ученик может более отчетливо отобразить музыкальные интонации. Эти занятия не являются упражнениями в актерском мастерстве. Они представляют всего лишь работу над музыкальной пластикой танца. Преодоление "холодной" техники движения означает осмысленный, целеустремленный, а не отсутствующий взгляд, живые, а не кукольно точные движения головы, рук корпуса и ног даже при выполнении самых элементарных battements.
Поэтому бояться, что музыкальные интонации в учебной работе могут "развалить" исполнительскую технику движения или помешать ее осмысленному развитию, - это все равно что бояться самой жизни.
Напротив, умение увлеченно вникать в музыкальные интонации заставит учащихся воспринимать учебные задания не отвлеченно, как ритмически точную схему движения (механику) , а как живую, творчески действенную пластику танца.
Будущий музыкант – исполнитель осваивает приемы игры на избранном им инструменте также не отвлеченно, а с определенным намерением добиться не только ритмически точного, но и чистого, гибкого, мягкого и глубокого звука, способного к выразительным интонациям. Композитор Б.В. Асафьев по этому поводу писал: "Когда говорят про скрипача: у него скрипка поет, - вот высшая ему похвала. Тогда его не только слушают, но стремятся слышать, о чем скрипка поет".
Разумеется, умение слушать музыку в целом – ее ритм, тему и интонации – необходимо воспитывать последовательно, своевременно переходя от простого к сложному на протяжении всего курса обучения классическому танцу, учитывая возраст ученика, его знания и характер упражнения.
Например, в младших классах, особенно в первом, музыка должна быть во всех отношениях очень простой и ясной, даже наивной, понятной и близкой психологии учащихся девяти - одиннадцатилетнего возраста. Для учащихся двенадцати – пятнадцати лет содержание музыки может стать более сложным.. В старших классах выбирается музыка, по своему содержанию приемлемая для учащихся шестнадцати – восемнадцатилетнего возраста.
Начиная с первого же класса следует обращаться к музыке, содержание которой более близко по своему характеру психологии мальчиков и юношей, а не девочек или девушек. В младших классах это еще не имеет такого большого учебного значения, но в средних, особенно в старших, данную особенность необходимо предусмотреть.
Само собой разумеется, что содержание музыки, предназначающейся для экзерсиса во всех классах и группах, должно быть значительно проще, чем в разделах урока Adagio и Allegro.
В учебной практике существует два способа музыкального оформления уроков классического танца. Первый предусматривает музыкальные импровизации, второй – музыкальную литературу.
Концертмейстер является непосредственным помощником, ассистентом преподавателя. Зная характер, ритм и составные элементы (хореографию) учебного задания, он может предложить вниманию учащихся соответствующую тему, тональность, динамику, размер и акценты музыкальной импровизации. Правда, существует мнение, что музыкальная импровизация на уроках классического танца не может отличаться достаточно высокими художественными достоинствами, ибо она создается не великими композиторами, а всего лишь обыкновенными концертмейстерами. Это верно, но ведь танцевальные примеры составляются тоже не великими балетмейстерами, а всего лишь обыкновенными преподавателями.
Уроки классического танца – это необыкновенно трудоемкая и сложная учебная работа, которая наполнена бесконечно скрупулезно повторяемой обработкой ранее пройденных и новых примеров исполнительской техники. Такого рода работа должна музыкально оформляться в строгом соответствии с ее истинным содержанием. Поэтому очень хорошо, когда ритм музыки свободно и точно согласуется с учебным заданием, и очень плохо, если музыкальная тема и ее интонации не соответствуют характеру задания, у учащихся не возникнет истинной творческой увлеченности, стремления верно согласовывать содержание учебной работы с музыкой и своими внутренними действиями. Также плохо, если музыкальное сопровождение будет носить отвлеченный и монотонный характер.
Следовательно, учебная мысль – цель, которую преподаватель приводит в каждом примере, должна оформляться концертмейстером – импровизатором не равнодушно, а творчески увлеченно, но без уклона в музыкальный примитив или чрезмерную сложность.
В конце XIX века в России и за рубежом русские и иностранные мастера балета, давая уроки танцев, одновременно играли на скрипке. Думается, что это не случайно, не только потому, что смычком было удобнее наказывать своих питомцев, а и потому, что скрипка "поет" тему лучше, чем какой – либо другой музыкальный инструмент, что она "ведет тему" интонационно особенно отчетливо и приближенно к оркестровому звучанию. Кроме того, воспитанников балетных школ учили играть именно на скрипке, а не на фортепиано и дополнительно учили сольфеджио. Это тоже очень хорошо помогало понимать, слушать и верно проникаться интонациями музыкальной темы, не говоря уже о развитии слуха, знаний и вкуса. Разумеется, это не означает, что надо вернуться к старым формам музыкального воспитания будущего танцовщика. Отнюдь нет. Сейчас отлично учат учащихся играть на фортепиано и умению разбираться в музыке. Но надо проникнуться тем уважительным и бережным отношением, которое уделяли старые мастера балета воспитанию чувства внутренней мелодики танца.
Методика воспитания артиста современного балетного театра заключается в том, чтобы углубить внутреннюю связь музыки и танца на всех хореографических дисциплинах. Этого требует современная сцена. Поэтому умение слушать и танцевать музыкальную тему надо внести в учебную программу хореографических дисциплин как обязательный элемент, который следует освоить творчески, а не формально и поверхностно.
Оформление уроков классического танца музыкальной литературой так же, как и музыкальной импровизацией, получило довольно широкое применение.
Музыкальная литература должна войти в учебные примеры как органический элемент искусства театрального танца, а это очень трудная задача. Концертмейстеру необходимо проявить при этом чувство меры, художественный вкус и такт, предлагая произведения, соответствующие учебным целям предмета.
Музыкальная литература на уроках классического танца используется в несколько ином плане, чем музыкальная импровизация. На основе музыкального произведения преподаватель создает (приспосабливается) к учебному заданию, а, наоборот, хореография стремится выразить содержание музыки, это будет уже не обычный пример экзерсиса, а учебно – танцевальная фраза.
Только нацеленная учебная работа над этюдами может должным образом сформировать исполнительскую технику будущего танцовщика. Поэтому для этюдной работы следует отбирать не просто хорошие музыкальные произведения, а такие, которые отвечали бы учебным целям.
Уже говорилось о том, что характер музыки должен строго соответствовать учебным задачам. Хочется лишь добавить, что пессимизм, отрешенность, нарочитость не должны прививаться учащимся с помощью музыки. Так называемый "веселый бодрячок", плаксивую лирику, неврастеническую или солонно – джазовую музыку необходимо совершенно исключить из учебной работы. Музыка эмоционально – образная, танцевально – действенная, оптимистического и волевого начала, с ясно выраженной и завершенной мелодикой является наиболее приемлемой для учебных целей.
Высокий музыкальный вкус концертмейстера и преподавателя обогащает содержание учебной работы, повышает трудоспособность и творческую активность учащихся. И, напротив, отсутствие вкуса у преподавателя приучает учащихся небрежно и поверхностно относиться к музыке. Музыку на уроках классического танца надо рассматривать и воспринимать как учебный материал, как средство воспитания будущего актера – танцовщика, а не как компонент, который приятно облегчает физический труд.
По мере накопления исполнительской техники танца учащиеся, как правило, сами начинают постепенно и все более активно, без особых наставлений преподавателя, эмоционально воспринимать содержание и интонации музыки. Такое стремление вполне естественно и закономерно, но оно требует со стороны преподавателя неослабного и исключительно строгого контроля. Во – первых, необходимо неуклонно требовать, чтобы каждое учебное задание как в целом, так и в мельчайших деталях выполнялось учащимися технически точно. Во – вторых, чтобы они свободно и естественно проявляли свое отношение к содержанию музыки. Навязывание учащимся "взрослого" понимания музыки ведет к формальному подражательству, изображению не своих чувств, а каких – то других, выдуманных. Ученика необходимо направить на верное и самостоятельное восприятие музыки, так как навязывание лишает его творческой активности, столь необходимой будущему актеру – танцовщику. Чувство муры, строгость, простота, естественность, тонкий пластический и музыкальный вкус должны стать незыблемым свойством танцевальной культуры каждого ученика. Надо добиваться того, чтобы учащиеся вникали в характер темы, тональность и живое ритмическое дыхание музыки, стремились "пропеть музыку" пластикой танца, то есть движением всего своего тела. Вот почему очень важно, чтобы хореография и музыка учебного примера соответствовали друг другу.
Воспитание музыкальности не нуждается в какой – то новой или особой учебной системе. Необходимо только ежеурочно и неуклонно прививать учащимся умение преодолевать трудности техники танца и творчески воспринимать содержание музыки. Это убережет их от показного техницизма.
Вместе с тем одно лишь творческое проникновение в характер музыки не может заменить собой исполнительскую технику танца. Техника танца – это прежде всего выучка, воспитание всего организма человека – мышц, психики, нервной системы, что невозможно без физической, систематически повторяющейся нагрузки и приобретения необходимых для театральной хореографии двигательных навыков. Но для вдохновения будущему артисту балета необходим творческий импульс – мечта, которую в танце порождает музыка, и не только на сцене, а и в обыденной учебной работе.
Мечта есть основа всякого творчества. Предпочтение только техники, как правило, приводит танцовщика к схематизму, а не к образному действию, нивелирует его индивидуальность. Недостаточность, органичность музыкальной культуры не позволит артисту балета достигнуть подлинно творческих высот. Выступления такого танцовщика, если он даже актерски одарен, могут быть технически эффектны, виртуозно – блистательны, темпераментны, могут совпадать со сценическим образом – ролью, но они не будут глубоко художественны, то есть музыкальны, эмоционально и психологически оправданы, что отличает настоящее реалистическое искусство театрального танца от его имитации.
Если будущий артист балета не способен воспринимать содержание музыки как художественный компонент танца, как образный мир человеческой мечты, как высокую благородную поэзию чувств, как живое творческое начало актерского вдохновения – значит, он не может или еще не готов стать истинным художником.










ЛИТЕРАТУРА.
С.П. Баранов Педагогика . – Москва: "Просвещение." 1986г.
Юрий Борев Эстетика. – Москва: Издательство политической литературы 1981г.
Марксистко – ленинская эстетика. Под редакцией профессора
М.Ф. Овсянникова .- Москва: "Высшая школа" 1983г.
4. Е.А. Маймин Эстетика – наука о прекрасном.- Москва: "Просвещение." 1982г.
Методика музыкального воспитания в детском саду. Под редакцией Н.А. Ветлугиной.- Москва: "Просвещение." 1989г.
Музыка и хореография современного балета / Издательство "Музыка." 1974г. вып.1
Музыка и хореография современного балета / Издательство "Музыка." 1979г. вып.3
Музыка и хореография современного балета.- Ленинград: "Музыка." 1987г. вып.5
Основы эстетики и искусствознания. Факультативный курс. Пособие для учителей. Под редакцией И.Л. Любинского, В.К.Скатерщикова.- Москва: "Просвещение." 1979г.
И.К. Степаненков Педагогика.- Минск: Издательство В.М. Скакун 1998г.
Н. Тарасов Классический танец.- Москва: "Искусство." 1981г.









HYPER13PAGE HYPER141HYPER15


HYPER13PAGE HYPER145HYPER15




Заголовок 1HYPER15Основной шрифт абзаца

Приложенные файлы

  • doc pedagogika
    ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКАЯ РАБОТА Тема: "Формирование эстетической культуры учащихся на уроках хореографии".
    Размер файла: 127 kB Загрузок: 4